Qualquer Cinema

Os bípedes Parte 1

2010-11-04T14:29:00.002-02:00

1.
Uma bela casa nos Jardins. O maridão chega depois de um dia estressante na loja. Sua linda e fiel esposa espera-o ao na porta, toda limpinha e cheirosa. Dão uma bitoca.

Esposa – Como foi o trabalho?

Maridão – Bah.

Esposa - Ta cansado?

Maridão - To.

Esposa - Esquentei sua jantinha. Escalopinho de lingüiça. Tem cerveja gelada no freezer, do jeito que você gosta.

Maridão - Ta.

Esposa - Vai tomar banho primeiro?

Maridão - Vou comer, to com fome.

Esposa - Ta bom. Senta ai que eu te sirvo. Olha só que delícia. Amorzinho, posso te pedir uma coisa?

Maridão - Já to imaginando.

Esposa - Você sabe que eu te amo tanto, não sabe? Que é o melhor marido do mundo? Que é o amor da minha vida. Você não sabe disso? Que eu te amo muito muito muito pra sempre infinito?

Maridão (arrotando) - Blrrrrppppp

Esposa - Eu não faço tudo que o meu amorzinho pede? Então, você podia me fazer aquilozinho... vai...

Maridão - Porra, agora?

Esposa - É, vai? Aqui, ó. Vai?

Maridão - Bah! Toma, sua puta velha!

Dá-lhe uma murranca na cara. A esposa cai no chão gemendo de prazer.

Esposa - Hun... olha, ta sangrando....

Maridão - É, to vendo.

Esposa - Me dá outra?

Maridão - Não.

Esposa - Por favor?

Maridão - Não, porra. Degenerada do caralho. Vai apanhar na rua.

A esposa cata a bolsa, o casaco, e sai.

Esposa - Depois reclama. Hunpf.

2.
Junior e o maridão estão na loja da família fazendo a contabilidade do estoque.

Maridão - Lote de vinte e cinco maçaricos.

Junior - Confere.

Maridão - Dez arrombador de útero.

Junior - Confere.

Maridão - Quinze taco de beiseball.

Junior – An rã.

Maridão - Trinta caixa de rola média de chocolate.

Junior - Tudo aqui.

Maridão - Vinte de rola grande.

Junior - Ué. Vinte?

Maridão - É.

Junior - Peraí. Aqui só tem dezenove.

Maridão - Deixa eu ver.

O maridão conta as caixas e constata que está mesmo faltando uma.

Maridão - Ah, já sei quem pegou essa porra. Sua vó.

Junior - Ô velha que gosta de uma rola.

Maridão - Sabe porque isso acontece? Por que tu fica mimando a porra da velha. Velha tem que tratar na brutalidade.

Junior - Porra, pega leve com ela.

Maridão - Junior, deixa eu te explicar uma coisa: quando tu tiver precisando de dinheiro pra comprar crack, não precisa pedir. É só ir e pegar na bolsa da velha. Se ela reclamar, dá um bico na cara dela.

Junior - Mas eu gosto dela!

Maridão - Júnior! Cresce, meu filho! Tu já tá na idade de freqüentar a cracolândia, de ficar o dia zuretando na rua, de meter a vara nas danada! Mas não! Fica debaixo da asa da vó, batendo siririca naquela xota seca. Vou é agora pegar essa porra dessa rola!

3.
O maridão vai à casa da mãe, revoltado, em busca de justiça. Abre a porta no bico e lá está ela, no meio da sala, quicando na rola furtada.

Maridão - Ah! Velha doente! Você vai pagar por essa rola!

Velha - Vou, é? Com que dinheiro?

Maridão - AAhhhhhhhhhhhhh! Velha filha da puta!

Ele acha um taco de beiseball.

Maridão - E esse taco! Tinha sumido da loja também. Há quanto tempo tu tá me roubando, porra?

Dá-lhe uma tacada na cara e ela cai morta.

4.
Velório. Sob o púlpito, Júnior tergiversa sobre a grandeza e a pureza daquele ser humano tão único e insubstituível.

Junior - O que eu era antes de ser eu? Espero não entediá-los com minha pequena digressão filosófica, mas é um raciocínio que volta e meia me ocorre, que me persegue, que me intriga. Antes eu era um feto, certo? Na barriga da minha mãe. E antes disso era um espermatozóide nadando no saco do meu pai. Mas, e antes de ser um espermatozóide? O que eu era? Estou aqui remetendo a complexas interpretações de Aristóteles a respeito da origem e finalidade da metafísica ou me atendo a um sentimento universal, uma perplexidade provavelmente sentida por todos? Perplexidade essa que pode irromper a qualquer momento: escovando os dentes, de manhã. Dirigindo. No cinema, talvez. O que é e de onde vem essa coisa que nos faz perguntar, de repente, sem qualquer motivo aparente, e sem qualquer perspectiva de encontrar uma resposta: “de onde vim, afinal?” E, finalmente, “para onde vou?” Até ontem essa senhora, a minha vó, estava entre nós. Ela tinha suas manias. As coisas que gostava. Tinha defeitos também. E agora? Esse ser humano desapareceu? Completamente? E sua alma? O que houve com ela?

O pai do monstro

2010-11-03T09:14:00.004-02:00

http://www.youtube.com/watch?v=YG4rpwL1CO0&feature=player_embedded

O Homem Revoltado - DETRAN

2010-11-02T10:10:00.001-02:00

Uma ferramenta abjeta usada com um único e miserável propósito de extorquir sistematicamente o cidadão. Um clã de burocratas mafiosos que se utilizam do sucateamento do trânsito. Um bando de escrotos que sugam, vampirizam e saqueiam o bolso do infeliz. Filhos da puta é o que eles são.
Outro dia chega na minha casa uma multa assim: “Você foi autuado por andar no dia tal na rua tal sem cinto de segurança. Valor: cento e quarenta reais.” Recorri. Escrevi a defesa, imprimi, xeroquei, peguei senha, enfrentei a fila, perdi uma tarde naquela merda daquele lugar. Fui mal atendido. Tempos depois, sai o resultado: “Sua defesa foi indeferida.” Vou ter que pagar a multa de qualquer jeito.
Viram só como além de me roubar ainda me fazem de otário? Como alimentam a ilusão de que posso argumentar e expor o meu ponto de vista? Não é coisa de gente muito filha de puta e desgraçada? Não merecem um tapa na orelha? E não me venham por a culpa no Sistema, que é a mesma coisa que por a culpa em Tudo e em Nada e em Porra Nenhuma ao mesmo tempo. São as porras das pessoas que trabalham lá. Preguiçosas, mas intencionadas, reacionárias.
Reacionárias, sim. Pelo menos é a desculpa pra fazer funcionar com tanta proeficiência a Lei Seca, que procura bêbados na madrugadas pra achacá-los. Reza a Iluminada Lei que se qualquer cidadão, em qualquer circunstancia, ingerir qualquer quantidade de álcool e depois pegar no volante, é um assassino e um vândalo e um baderneiro e um anarquista em potencial. Se o cidadão sai com a esposa, janta e toma um cálice de vinho, fudeu. Mesmo que more na ali na outra esquina, fudeu. Você simplesmente não pode dirigir ou vai ter que pagar mil reais e ficar um ano sem carteira. Uma porra de um ano inteiro sem carteira. E mil reais. Mil reais, caralho.
Isso por que eu mencionei o IPVA? O emplacamento? E a gente ainda tem que andar nessas porras de ruas esburacadas e fudidas feitas com cimento de isopor, seus filhos da puta do caralho, vermes, ladrões.

Piranhas 3D - Filmaço

2010-10-26T12:09:00.001-02:00

Piranhas 3D é um filmaço. E vou dizer por quê.
Pouca gente deu a devida atenção a Serpentes a Bordo, que inaugurou um novo patamar de excelência em filmes de terror, que, num movimento altamente antenado e contemporâneo, estão se tornando cada vez mais terrir (terror com comédia). Olha o naipe do argumento: um avião está caindo. E, dentro dele, serpentes venenosas pulam em cima das pessoas e as chacinam. Se isso não é entretenimento concentrado, não sei mais o que é.
A capacidade de colocar o máximo de tensão no mínimo espaço de tempo é a regra no terror atual, ou pelo menos no terror juvenil de Holywood. Diretores e roteiristas esmeram-se na construção de máquinas de matar cada vez mais mortíferas e, com a ajuda dos efeitos especiais, são cada vez mais bem sucedidos. Em que pese a péssima qualidade do cinema que se tem feito nos EUA, os filmes de terror são pelo menos os mais honestos e não bancam o estilo filme-cabeça-com-enredo-de-ação, como o recente A Origem. São filmes adolescentes cheios de frisson, de explosões, de sangue, com belos closes da anatomia feminina.
E é curioso que logo um besteirol como esse tenha tanto a dizer a respeito da juventude norte-americana. Não se deve subestimar o caráter psicanalítico do enredo, encharcado de referências a expressão involuntária do Id e a manifestação violenta da libido em formas de pulsão de sexo e pulsão de morte. Não sou eu, mas Jung que diz, no paradigmático O Homem e Seus Símbolos: “Entre os motivos típicos (dos sonhos) estão a queda, o vôo, a perseguição feita por animais selvagens ou por pessoa inimigas, sentir-se insuficiente ou impropriamente vestido em lugares públicos, estar-se apressado ou perdido no meio de uma multidão tumultuada, lutar com armas inúteis ou estar sem meios de defesa, correr muito sem chegar a lugar algum.”
São essas as ferramentas que o diretor Alexandre Aja – que fez outro ótimo e ultra-violento filme de terror, Viagem Maldita – usa pra entreter o público. A trama é simples: um cardume de piranhas que mais parecem pit-bulls aquáticos invade um lago onde jovens curtem o Spring-Break, o feriado norte-americano no qual a galera exerce o sagrado direito a promiscuidade e ao hedonismo. Esses assustadores peixes carnívoros vão atacar garotões de sunga e lindas estudantes de biquínis minúsculos. Dificilmente poderia se pensar numa situação em que a vítima estivesse mais desprotegida, mais alheia. Matar gente inocente, bêbada e semi-nua não te parece uma idéia divertida?
E como Aja se divertiu! Consta que os sets eram abastecidos por caminhões-pipa de sangue artificial. Cada cena supera a outra em virtuosismo e bom humor: uma garota está tomando sol, com a bunda enfiada numa bóia de plático. As piranhas a atacam por baixo e a infeliz é tragada num turbilhão de sangue. Um garotão tem o pênis decepado e estraçalhado. Peitos, bundas, barrigas, coxas, tudo é devorado pela fúria das piranhas. Gente sem perna. Sem braço. Partida ao meio. Gente empalada: sim, as piranhas entram no corpo da vítima e saem pela boca. E o melhor, saem a poucos centímetros da sua cara, entre as vísceras que flutuam poeticamente na água.
Não entendo do assunto, mas tenho pra mim que o 3D em Piranhas foi muito eficaz. Diferente do uso grosseiro em filmes como Alice, de Tim Burton, em Piranhas a profundidade proporcionada pela tecnologia funciona de forma exemplar.
E, diferente de outros filmes nos quais os atores recitam blábláblás filosóficos, em Piranhas todos os diálogos são verossímeis, ágeis, todos dizem algo a respeito da cultura e da juventude norte-americana e o texto é coerente com o contexto. Daqui a muitos anos, Piranhas será um exemplar tão puro, tão espontaneamente simbólico do mundo em 2010, que fará definitivamente parte do rol dos Grandes Filmes da História do Cinema.

http://www.youtube.com/watch?v=fMlI6hVeB74

Estréia da Coluna O Homem Revoltado

2010-10-25T08:57:00.001-02:00

Quem nunca sentiu o sangue borbulhar de raiva? Quem nunca se sentiu esmagado perante alguma arbitrariedade burra e teve vontade de gritar: “Ei, peraí! Assim não!” Quem?
Segundo o filósofo francês Albert Camus, no seu belíssimo livro O Homem Revoltado, escrito em 1951 e publicado no Brasil pela Editora Record, um homem revoltado é alguém que diz NÃO. Esse NÃO significa algo como “as coisas já duraram demais”, “até aí, sim; a partir daí, não”, “assim já de demais” e “há um limite que você não deve ultrapassar.”
Camus disserta então sobre a Revolta Metafísica, a Revolta Histórica, o Terrorismo, o Niilismo e a Revolução, evocando grandes pensadores como Nietzsche, Dostoievsky e Marquês de Sade. Todos eles eram, a seu modo, revoltados. Contra a ordem social, a ordem religiosa, a ordem comportamental. Revoltaram-se contra o que estava estabelecido, desafiaram consensos, foram corajosos, polêmicos, perseguidos, humilhados. Sade, por exemplo, passou anos e anos preso numa masmorra por ter idéias extravagantes a respeito da sexualidade humana. Nietzsche ficou louco, epilético e morreu cercado de detratores. Dostoievsky era um bêbado e jogador compulsivo que afirmou, até hoje não se sabe se ironicamente, pois era um cristão fervoroso: “Se Deus não existe, tudo é permitido.”
É esse portanto o mote da próxima coluna que vocês, ilustres leitores e leitoras do site Qualquer Cinema, vão acompanhar semanalmente. Ela se chamará O Homem Revoltado e será escrita pelo cineasta brasiliense André Catuaba.
Instituições opressivas, injustiças, besteiras do cotidiano, tudo será matéria prima para o colunista expressar sua legítima revolta.
Semana que vem ele começa espinafrando esse órgão tão querido de todos os brasileiros, que nos ajuda tanto e nos deixa tão orgulhosos, o DETRAN!
Até lá!

Visão do inferno

2010-10-20T20:35:00.001-02:00

http://www.youtube.com/watch?v=rolzns8VNvs

Coisa de cinema?

2010-10-19T19:38:00.001-02:00

É recorrente a idéia de que há um grupo de pessoas ultra poderosas e influentes que decidem os movimentos das peças no tabuleiro do mercado global. Desde que Dan Brown prestou o desserviço de popularizar grupos como a Opus Dei e os Iluminati, então, virou moda imaginar que existe uma força sinistra por trás das engrenagens que movem o planeta. A vulgarização da noção se Sociedade Secreta popularizou grupos como Rosacruzes, Templários, Maçons e Carbonários. A ironia é que de secretas essas organizações não tem (quase) nada. Seus templos são abertos a visitação, as obras que os inspiram acessíveis a qualquer um, e os “passos” para se tornar um deles são facilmente achados na Internet.
Talvez essa fascinação por sociedades secretas e teorias da conspiração venha do fato de que o ser humano comum se sente tão insignificante, tão impotente diante dos acontecimentos, que inventa histórias sobre forças ocultas e pessoas inacessíveis que comandam, de alguma forma misteriosa, os nossos passos. Não é essa a abordagem de “The Bilderberg Conspiracy – Inside The World´s Most Powerfull Society”, escrito pelo norte-americano H. Paul Jeffers.
Inclusive, tratando-se de um assunto tão passível de manipulações sensacionalistas, Jeffers até que segura no tom sóbrio e imparcial ao contar a história dessa que, aí sim, é uma instituição capaz de decidir (ou deliberar) sobre o futuro, senão do planeta terra, pelo menos da civilização ocidental.
Todo pé sujo acaba achando seu chinelo velho, diz o ditado. Diga-me com quem andas e te direi quem é, reza a sabedoria popular. O sentido aqui é que os pares, os semelhantes, acabam se aproximando. Isso foi naturalmente levado ao paroxismo com a internet, na qual grupos de pessoas que nunca se viram juntam-se em comunidades virtuais com interesses específicos. O próprio conceito de Partido Político e de Movimento Social advém do mesmo princípio. Seria portanto ingênuo imaginar que pessoas muito poderosas não se procurassem para deliberar, conspirar e, por que não?, tomar um dry-martini e comer uns canapés. E é exatamente isso que fazem anualmente, desde 1954, quando houve a primeira reunião do grupo de Bilderberg.
É aí que Jeffers se volta para a história do diplomata austro-húngaro Joseph Retinger e do príncipe Bernhard da Holanda que, depois da Segunda Guerra Mundial, se uniram num esforço mútuo e contínuo pelo entendimento entre as nações européias em frangalhos e deram corpo a idéia de uma união continental. São ambos figuras simbólicas, Hetinger por vir de uma nação esmagada pelo imperialismo nazista, Bernhard por representar um país que sempre teve como tradição manter a neutralidade nos conflitos que periodicamente assolavam a região. A primeira reunião de “iniciados” se deu em 1954 e, menos de cinquenta anos depois, a União Européia era uma realidade política e econômica.
“Bilderberg” era o nome do primeiro hotel que abrigou a reunião, que passou a ser anual, e o nome pegou. Só “pica grossa” eram convidados: chefes de estado, ministros, executivos, empresários e membros da realeza européia. Mas com um diferencial: os encontros eram (e ainda são) fechados e exclusivos. Daí grande parte do interesse, da curiosidade, do alheamento do público a respeito do que acontece lá dentro.
Parte da áurea de mistério do grupo vem do seu exclusivismo e da proibição peremptória de que qualquer conversa ou debate seja gravado. Ao questionamento de que quando um grupo de pessoas tão poderosas se encontra elas devem alguma satisfação à imprensa e ao público, o contra-argumento está na ponta da língua dos seus correligionários: “A Constituição norte-americana também foi escrita a portas fechadas.”
De fato, não há nenhuma lei que proíba pessoas influentes de conspirarem a portas fechadas. A coisa pode até ser considerada antiética ou imoral, mas de forma alguma ilegal. Seria inclusive ingenuidade crer que eles (?) poderiam prescindir de tão suculenta oportunidade. Ali as pessoas podem falar a vontade, sem o superego da opinião pública, dos comentaristas políticos, sem medo de ferir as sensibilidades das minorias.
Pegue-se o exemplo da família Rockfeller: assíduos freqüentadores do Grupo, seus membros não têm exatamente uma agenda política. Eles não apóiam democratas ou republicanos, liberais ou conservadores. Antes, apóiam toda a estrutura do sistema econômico ocidental. Não é pouca coisa. Ao longo das décadas norte-americanos e japoneses foram sendo convidados a participar das reuniões com os europeus, sempre com a intenção de ampliar a Agenda Internacional da trupe. Aliás, a mais freqüente acusação ao grupo de Bilderberg é que ele defende uma agenda internacionalista que visa a diluição das fronteiras e a fragmentação das soberanias nacionais. Nacionalistas empedernidos ou apenas cidadãos desconfiados temem que no futuro haja um Governo Global quer tudo vê, tudo sabe e tudo vigia, nos moldes das distopias tão caras à ficção científica. Mais isso não seria uma ditadura nem do proletariado nem do ultra-liberalismo, mas sim do “bom senso” de meia dúzia de capitalistas devidamente assessorados por chefes de estados pragmáticos e esclarecidos.
Depois de ouvir relatos desde pessoas que acham as reuniões apenas um rendez-vous entre bilhardários que passam um fim de semana filosofando e comendo camarões até aqueles que as vêem como uma perigosa evidência de uma conspiração global, Jeffers deixa o assunto em aberto. Não sem antes terminar com um set list de convidados que fariam uma reunião burocrática da ONU parecer um piquenique de estudantes, como:
Secretários de Estado
Embaixadores
Senadores
Banqueiros
Executivos
E isso sem falar na realeza.

O fenômeno do Filme-Catarse

2010-10-12T09:42:00.001-03:00

Sim, Tropa de Elite 2 é um filmaço, feito com coragem e competência. Mas como ao fim e ao cabo é um “filme de ação”, mesmo que crivado de sociologia, acaba se rendendo a algumas formulinhas prontas, que não tiram o seu mérito, mas convém serem lembradas.

1. O “efeito Macbeth”, peça de Shakspeare na qual os personagens vão sendo exterminados um a um. Em Tropa 2, todo conflito termina com a violação do outro, geralmente com uma bala na cabeça. O ser humano não passa de uma barata que deve ser exterminada sem maiores dilemas. Uma das cenas arquetípicas na transformação do brasileiro em inseto é essa:

http://www.youtube.com/watch?v=g9cXxAxiU50

2. O “efeito Plínio Marcos.” O dramaturgo fez história no teatro brasileiro ao usar e abusar do palavrão em cena. José Padilha, pra conferir verossimilhança a realidade carioca, coloca uma “porra” e um “caralho” na boca dos personagens até quando eles dizem coisas prosaicas como “me passa a salada?”

3. O “efeito Lupicínio Rodrigues.” Não bastasse ser um bastião da moralidade em meio a vagabundos e maconheiros, o Capitão Nascimento agora sofre a dor mais lancinante de todas, a dor de corno. Seu antípoda intelectual, um ativista de esquerda vivido por Irandhir Santos, casou-se com sua ex-mulher. Cada expressão fatigada do policial traduz o sentimento expresso pelo bardo gaúcho: “Você sabe o que é ter um amor, meu senhor? Ter loucura por uma mulher? E depois encontrar esse amor, meu senhor, nos braços de um outro qualquer?”

Fora isso, o filme trata com pungente realismo o caos da cidade maravilhosa e se detém no problema das milícias. Mas foi assistindo no cinema que percebi que Tropa de Elite é um fenômeno cultural capaz de provocar catarse.

Era a sessão de duas da tarde de um domingo e o cinema estava lotado. Lá pelas tantas, o Capitão Nascimento espanca um deputado estadual corrupto. Não é um tapinha nem dois, é uma bela de uma surra com direito a esfregar-a-cara-no asfalto e muito chute-no-rim.

Nessa hora, presenciei algo que só tinha visto em festivais de cinema, quando toda a equipe está presente pra ser devidamente bajulada. O público aplaudiu euforicamente a cena. Gritavam uuu-hhhuuuu! E batiam palmas, felizes e com a alma lavada. Não é todo dia que se vê isso, por isso Padilha está de parabéns.

A Globo vira-e-mexe mexe com você

2010-10-12T08:31:00.001-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=U_NLe2RKr9I

Lula on drugs

2010-10-08T15:29:00.001-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=mT0j9MRLwRo

Oliver Stone chega ao fundo do poço

2010-10-07T13:27:00.001-03:00

Aconteceu com Oliver Stone: como tantos grandes artistas que na juventude e maturidade atingem o auge criativo e depois declinam, o cineasta norte-americano virou um bundão. Um cagalhão. Desaprendeu a filmar. Foi corrompido pelos piores vícios do cinema enlatado de Holywood: o notável polemista de Assassinos por Natureza marcou definitivamente sua entrada no rol da mediocridade ao filmar o insosso e soporífero Wall Street 2.
Ele já vinha fraquejando com filmes meia-bomba como W, cinebiografia de George Bush, e Ao Sul da Fronteira, panfleto chavista que inflava o ego de estadistas sul-americanos. Mas com Wall Street 2, continuação do clássico-financeiro dos anos 80 Wall Street 1, Stone mostrou que não está numa fase excêntrica, experimental, transitória ou nada do tipo. Está é numa fase preguiçosa mesmo.
Ou que outro motivo o levaria a terminar o filme com uma musiquinha mamão-com-açúcar ao fundo enquanto uma voz em off comenta o destino dos personagens: “Então, Fulaninho descobriu que a verdadeira felicidade na verdade era...” ou “E aí Sicraninha se deu conta de que o tempo e o amor blábláblá...”?
A enxurrada de idéias prontas não para. Quando há um colapso financeiro, qual a metáfora que Stone usa? Um monte de pedras de dominó caindo umas sobre as outras... uma caudalosa erupção da originalidade! No final, quando os personagens descobrem que o dinheiro não é tudo na vida, mas o tempo, uma série de reloginhos, folhas de calendário e cronômetros passam serelepes pela tela. Dá um tempo, né?
Tem mais! Quando o jovem financista vivido por Shia LaBeouf é passado para trás pelo dissimulado Michael Douglas, prepara uma surpresinha. Douglas entra no próprio escritório e ouve uma voz: “Então nos encontramos de novo.” É LeBouf, que estivera escondido no escuro, acendendo a luz do abajur. Ai!
O roteiro também não ajuda. Como lembrou Isabela Boscov, nos filmes de Stone as personagens femininas não têm meio milímetro de profundidade e geralmente servem ou como estorvo ou como troféu. No filme, moça-de-fino-trato tem um amor edipiano por um sujeitinho que lembra seu pai. O mesmo sujeitinho se espelha num tubarão de Wall Street que se suicida. Nas palavras de A.Scott, crítico do N.Y. Times, tudo não passa de “bad shakspeare.”
E, convenhamos: as frases de feito – “greed is good” no primeiro filme e “money is a whore that never sleeps” nessa desmiolada sequência – não obliteram a realidade de que os diálogos são sofríveis. Quem Stone pensa que é, pra dar lição de moral nos espectadores? Como se ele tivesse um insight, uma percepção mais apurada, uma intuição mais refinada sobre o que o dinheiro faz com as pessoas, sobre como as corrompe e as manipula. Como se o dinheiro tivesse uma personalidade própria discernível somente a gente como ele e seus pífios roteiristas! Como se fazer afirmações taxativas sobre a ganância ou o dinheiro fosse algo que exigisse doses cavalares de profunda reflexão e conhecimentos ultra restritos! Aliás, só quem problematiza se o dinheiro é bom ou não é quem o tem em excesso, caso de Stone, que já passou do limite do tolerável com suas hipocrisias e merecia um exílio forçado em Cuba limpando a bunda com o jornal oficial do Partido Comunista.

http://www.youtube.com/watch?v=695gKYPs5Og

Videozinho pra relaxar

2010-10-05T18:38:00.001-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=w3ctMkZ3QJk

Ora, ora

2010-08-28T15:30:00.001-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=nS7SmmnyOVQ

Beldades não querem mais ser só "formadoras de ereção"

2010-08-27T12:04:00.001-03:00

O conglomerado de comunicação Fox News chamou pra si a reponsa de fazer oposição a tudo que seja obamista nos EUA. Se os democratas pensam “vermelho” eles botam no ar: “azul.” Se Obama cita hambúrguer, eles vão de hot dog. E a reforma do sistema de saúde, então? Coisa de comunista. Casamento gay? Ladainha liberal. Vazamento de óleo no Golfo do México? Bunda-molice de Obama, que não peitou a BP. Obama peidou? Fedeu. Obama falou? É merda.

Em tempos politicamente corretos, em que todos querem ser progressistas, cosmopolitas, tolerantes, a Fox News é o reduto do nacionalismo, do conservadorismo e da plataforma redneck – pescoço vermelho, em alusão aos branquelos fustigados pelo sol do Texas e adjacências. É uma oposição tão insistente e incansável que faz questão de se diferenciar da concorrência onde for possível, particularmente no visual das suas apresentadoras. Enquanto canais como a CNN fazem da sua equipe o espelho de um país multi étnico, com negros, asiáticos, latinos e brancos desengonçados, a Fox News abre espaço pra beleza da legítima mulher norte-americana.

http://www.youtube.com/watch?v=8bwjuTJ5yAU

No filme Jogos de Poder, de Mike Nichols, Tom Hanks interpreta um congressista em cujo gabinete trabalham apenas belas mulheres. Perguntado o por que disso, sai com a resposta esperta: “Você pode ensinar qualquer um a datilografar, mas não tem como ensinar alguém a ter peitos.” Partindo a mesma premissa, emissoras do mundo inteiro botam beldades apresentando telejornais e lendo o teleprompter. A Fox News no entanto inova ao permitir que as apresentadoras dêem pitaco em qualquer assunto, da taxa de juros à retirada das tropas do Iraque, passando pela restrição à publicidade infantil. Além das próprias apresentadoras, cujas figuras mais notáveis talvez sejam Megyn Kelly e Jenna Lee, há uma série de beldades convidadas como comentaristas. Outro dia havia uma ex-Miss America opinando sobre a política externa de Obama. Esses pontos de vista refletiriam a opinião da “mulher comum” nos EUA, a dona de casa suburbana que quer criar seus filhos segundos os bons e velhos valores da Mãe Pátria.

http://www.youtube.com/watch?v=BzMUWuA-Rq4

http://www.youtube.com/watch?v=jQyiCTDag2U&feature=related

Nada contra, mas particularmente acho que quase todas falam rápido demais, como se precisassem provar que são inteligentes e acabam vomitando uma torrente de números e estatísticas que pouco servem pra desenrolar um assunto de forma mais tranqüila e razoável. E o excesso de maquiagem também não ajuda a vê-las como a encarnação televisiva da tia da vizinha. Sinto uma esquizofrenia latente o tempo inteiro na programação da Fox News, como se todos estivessem se sentindo tão violentamente ultrajados pelo governo esquerdista de Obama, que só podem falar como se dessem um chilique, sempre com muita raiva, muita petulância e pouca ironia. Muitas têm uma postura quase masculina, quase como se pudessem prescindir do fato de serem belas. É como se dissessem: “sou bonita, mas finjam que sou apenas inteligente.” Como se a beleza não fosse um critério. Nada de lassidão, de pseudo-flertes, de sorrisos e olhares marotos. A apresentadora/comentarista da Fox News é a metralhadora republicana de salto alto.

Se é uma tendência mulheres bonitas virarem “formadoras de opinião?” Mal pros olhos não faz, mas o último comentarista político conservador a realmente falar coisas originais era esse ícone da beleza aqui:

Um filme revolucionário? Vai sonhando!

2010-08-11T09:21:00.001-03:00

Alguém disse e eu concordo: Cristopher Nolan é menos um cineasta e mais um guarda de trânsito. Sua função é direcionar o fluxo dos acontecimentos pra que tudo saia da forma mais ordenada possível. Nos seus filmes, sabemos o tempo inteiro o que sentir, como nos comportar, o que esperar. É o que ocorre em Inception: “agora vou ficar ansioso; agora, vai haver uma revelação bombástica; agora, descubro que é tudo um sonho; não, AGORA é que é um sonho.” Tudo deveria ser um caleidoscópio de surpresas, mas termina apenas completamente previsível.

Nolan não sabe criar um clima e nem tem senso de humor, dois pecados que considero gravíssimos. O infeliz pegou um tema inesgotável e fascinante – sonhos – e deu um tratamento de filme de ação. Das duas horas e meia de filme, quase metade mostra perseguições fajutas com caras maus soltando tiros de metralhadora em cima dos outros. Mas não se preocupem, ninguém morre de verdade, são apenas “projeções.” Nesse sentido, é um dos filmes mais infantis e babacas já feitos, que se priva de qualquer tipo de discussão mais filosófica a respeito do tema. It´s Just business. Espionagem industrial. Holywood tem o péssimo hábito de pegar qualquer idéia, doutrina ou teoria e transformá-la em sabão em pó. OK, o diretor provavelmente teve consultoria de meia dúzia de intelectuais junguianos que lhe contaram sobre a estrutura narrativa das Mil e Uma Noites ou sobre as Bonecas Russas, que se escondem umas dentro das outras. Mas tudo isso é apresentado com o didatismo de um programa do Discovery Chanel e explicado à exaustão, com direito a garotinha prodígio (Ellen Paige) que faz as perguntas certas nas horas certas, pra que não restem dúvidas.
E os clichês se amontoam: a certa altura o protagonista (Leonardo DiCaprio) profere as palavrinhas mágicas de qualquer filme de ação hoje em dia: “temos que montar um time” e cai então em busca de pessoas com habilidades extraordinárias. Nenhum personagem tem mais de dois centímetros de profundidade. Já ele supostamente esconde um segredo terrível no subconsciente, o que lhe dá um aspecto angustiado e alarmado mas, na falta de um roteiro minimamente intrigante, parece apenas um cara que precisa ir com certa urgência ao banheiro.
Inception é um elefante branco altamente pretensioso: sem charme, sem ambigüidades, sem sensualidade. Claro que há alguns bacanas maneirismos tecnológicos e truques digitais. Mas é só. É um Mac Sonho.

http://www.youtube.com/watch?v=MkgKoBG9hl0&feature=channel

Os limites da misandria

2010-07-29T11:24:00.001-03:00

Fernanda Young é uma boa roteirista de TV, não há dúvida. A série Os Normais emplacou com diálogos afiados e uma bela sinergia entre Luis Fernando Guimarães e Fernanda Torres.

http://www.youtube.com/watch?v=MSJ3gMB0Jio

Já escrevendo pro cinema não me pareceu tão talentosa: Muito gelo e dois dedos dágua, por exemplo, é um dos filmes mais bobos que já assisti. Como romancista, não há dúvida que seja virulenta. Foi a conclusão que cheguei depois de ler seu último livro. Confesso: na última visita à cultura inseri dissimuladamente um exemplar de O Pau entre Snuff, de Chuck Palahniuk e The Ghost Wrtiter, do Philip Roth. Depois de alguns dias, li de uma sentada. E tive a reação que nove entre dez escritores querem provocar nos seus leitores: fiquei chocado.

Não com o domínio verbal e vocabular da autora, muito menos com as observações supostamente ferinas da narradora, mas com a idéia e o pressuposto da história: trata-se uma mulher que odeia paus e, consequentemente, homens. Descubro no google que o nome disso é misandria. Vão alguns trechos retirados do livro: “E ereção é uma pereba aberta que devia ser fechada”, “o pau é um mal para o homem”, “paus sempre me lembram de Hitler”, “morte aos paus duros”, “os paus me incomodam diariamente” e “foda-se o pau.”

Ok, nada disso é novidade. O que me chocou não foi ler uma história cuja protagonista é uma mulher que odeia paus, mas saber que o último livro de uma intelectual brasileira “antenada” ressuscita o pior da agenda feminista de mil novecentos e antigamente. Fazendo uma analogia política, seria como ler O Manifesto Comunista em cima dos escombros do Muro de Berlim.

Adriana, a narradora, é uma mulher de trinta e oito anos, culta, inteligente, bonita (sic), de família rica, que trabalha com arte, já fez analise junguiana e foi à Europa. Será que é o alter-ego de Fernanda Young?

Adriana-Fernanda odeiam paus. Estão no direito delas, pois esse é um país livre. Mas não pude deixar de lembrar de todos os escritores “eróticos” que li e de como eles, apesar de muitas vezes mesquinhos, maldosos, pornográficos, obscenos, esquisitos, tratarem o sexo como algo, com o perdão da palavra, “sagrado.” Mesmo Henry Miller, nas suas cenas mais escabrosas de putaria. Mesmo Sade! Até os piores monstros literários têm uma atitude positiva em relação a xoxota. Partem do princípio, aliás bastante óbvio, de que o mundo seria um lugar bem pior – senão intolerável – sem ela. Não Adriana-Fernanda. Para elas, “ereção e vômito é quase a mesma coisa.”

Não sei não, mas tendo a ver essa atitude como o típico chilique de uma menina mimada. Como a filha única que não quer comer, a escritora se nega a ver a beleza do falo. É bobo e feio, e acabou. Tem cara de melão. É um bobão. Prefere ficar de boca fechada e braços cruzados, emburrada. Freud veria aqui um belo recalque da inveja do pênis. Mas não deixa de ser uma escolha estética. Um ato gratuito e existencialista, a maneira de Mersault.

Sincronicidades Junguianas pré-ácido Volume 2

2010-07-05T22:30:00.001-03:00

O arquétipo de Jung flana pelas ruas de brasília depois de tomar seu nescauzinho.

http://www.youtube.com/watch?v=lFK47a2Rc5Q

Espinafrando o Dunga

2010-06-30T09:28:00.001-03:00

Se Dunga fosse um dos reis-magos, certamente ia ignorar a estrela de Belem, e a história seria outra.

http://www.youtube.com/watch?v=9xEk7EUfFwY

Gilles Deleuze fala sobre Sex and the City

2010-06-08T21:48:00.001-03:00

O filósofo francês comentou o filme depois de uma sessão no Cine-Clube Chico Xavier. Conteúdo exclusivo qualquercinema.com, na medida em que o exlusivismo não anule o Rizoma - que aliás não pode ser anulado, só multiplicado.

Rizomaticamente falando, Sex and The City 2 se passa num passado remoto e incerto entre a Era de Ouro dos Faraós Egípcios e a Último Reinado de Unamon, o deus platinado da concupiscência, além funcionar como uma Alegoria do Mayflower, organismo pluricelular que chegou ao Novo Mundo trazendo os peregrinos calvinistas e puritanos, aqui transfigurado morfologicamente numa metrópole de vidro, alumínio e concreto. As motivações das amigas (óbices e índices do Sanguíneo, Melancólico, Fleumático e Colérico) são bíblicas e matriarcais até a última espiral de DNA. Todas querem casar e dominar os seus provedores pelo poder magnético da xoxota.

A protagonista, conceito encarnado do Corpo sem Órgãos (ou Corpo Rizomático estilhaçado em fractais de Consumismo) transcende o Eletron, o Próton, o Quark e o Aleph. A quintescência da vida é o Sparkle – Cintilação, Faiscar, Efervescência. Enche o saco do marido e o faz sentir-se o pior dos homens porque não lhe provoca mais Sparkles. Como há o junkie em heroína, Carrie é a Rebordosa do Sparkle: tapetes vermelhos, gente famosa, cliques, flashes, frissons, celebritys. Sem isso, sua vida é tão vazia quanto um balão preenchido pelo vácuo – na medida em que o Vácuo, espelho da Alteridade, pode ou não ser ou ser contido pelo conceito – já auto-sublimado – dele mesmo amplificado.

Do caule original, portanto – o navio que trazia os anglo saxões – cresceu uma Cidade de arranha-céus, ruínas de uma civilização outrora regida pelos gigantes: é Nova York. Macho Alfa de Wall Street ama a Fêmea Mitra da Selva de Pedra, que tem cabelos de leoa. Fazem votos. São inocentes como a Criança Primeva, o Homem Suspenso no Paraíso. Acreditam na fidelidade absoluta. Não podem beijar. Não podem flertar. O Macho Alfa tem um grande topete e fala com sua esposa, com aquele sua cara Humprey Bogart degenerado: “You got a lot to learn, kid.” Machos Alfa Puritanos chamam suas esposas de Kid (Criança, Garota, Menina). Há mais caules ligando o puritanismo à pedofilia do que supus no Platô nº 334.

êêêê, dá tchau pra câmera!

2010-06-07T14:36:00.001-03:00

Para Oliver Stone, o governo de Hugo Chavez na Venezuela representa o paroxismo da legalidade, da audácia e da força bolivariana. Um exemplo a ser seguido por um séqüito de presidente legitimamente eleitos, e que são a maior força revolucionária na América Latina em toda a sua história: Evo Morales, o primeiro indígena presidente da Bolívia, verdadeiro representante do povo, um homem íntegro e exemplar. O casal Christner, que salvou a Argentina da bancarrota ao peitar o Banco Mundial e o FMI. Lula, o pragmático presidente de centro-esquerda que sonha com uma América do Sul unificada, nos moldes na União Européia. E Rafael Correa, presidente do Equador, que peitou o Império norte-americano, e ainda por cima é bonitão. Todos líderes idôneos, humildes, corretos, ungidos pelo sonho reinventar o Socialismo do Século XXI.

Claro, é muito fácil pra um milionário como ele tomar pra si a pecha de “socialista.” Stone sempre foi um polemista, e sua mais nova diversão é entrevistar os poderosos e revolucionários da América Latina. É mero capricho político: da mesma forma como Scorcese fez um documentário sobre os Rolling Stones, ele resolveu fazer um sobre os presidentes ao sul da fronteira. É um tema como qualquer outro, afinal. E não deixa de ter seus méritos.

Numa época em que noventa por cento da política externa norte-americana gira em torno do imbróglio no Oriente Médio, é importante que se façam filmes mostrando outras partes do mundo. O fato de o filme ser panfletário não o diminui, até porque panfletos são ricos e saborosos produtos culturais. Tirando a inocência de Stone, que vê nesses líderes a encarnação da bondade, é um documento fascinante sobre o barril de pólvora que é o continente. Pena demorar-se em cenas como “Hugo Chavez andando de bicicleta”, “Hugo Chavez tentando arrancar uma lágrima fajuta ao lembrar-se da vovozinha falecida” ou “Evo Morales batendo embaixadinhas.”

Muito se falou da prepotência de Lula, que foi ao Oriente Médio meter o bedelho num problema que não era dele e que se arrasta há séculos, como se, pelo simples fato de ser o Lula – ou O Cara, segundo Obama – tivesse o dom de descascar todos os abacaxis do mundo, desde o fundamentalismo talibã até pesca predatória de atuns no Oceano Pacífico. Se Lula quer resolver de forma simplista um problema complexo, o mesmo se pode dizer de Stone, que fez turismo por aqui, conversou com meia dúzia de líderes carismáticos, e saiu com uma simplificação brilhante: tudo o que for anti-EUA é bom, e tudo o que for pró-EUA é ruim. (O Império pode-se de dar a esses luxos. O novo Imperialismo Regional brasileiro vem levantando questões semelhantes, como nos casos de mão de obra escrava ou semi-escrava contratada pela Vale e pela Odebrecht em outros países).

Mas Lula fez diplomacia, que é coisa séria. E Stone fez um filme que, convenhamos, não é tão sério assim.

http://www.youtube.com/watch?v=NpOg-ExRZa4

Novo filme do Woody na área, panacas

2010-05-31T12:45:00.001-03:00

Woody Allen é um senhor de setenta e cinco anos que toca com um grupo de jazz toda segunda-feira no Upper East Side, escreve roteiros para cinema e faz filmes em quantidade industrial. Já lançou mais de trinta longas-metragens, nem todos geniais. Volta e meia aparece com um roteiro preguiçoso e com umas idéias bem bobinhas. Ainda assim, mantém-se acima da média da indústria cultural norte-americana, e é um dos maiores cineastas de todos os tempos.

Seu último filme, Whatever Works, foi lançado no ano passado nos Estados Unidos e só agora estréia em Brasília. Antes tarde do que nunca. Nele, o alter-ego de Allen é Boris Yelnokoff, vivido por Larry David. O notório roteirista de Seinfeld vinha fazendo sucesso com a série Curb Your Enthusiasm, uma saborosa brincadeira metalingüística na qual interpreta a si mesmo e passa pelas mais vexatórias e constrangedoras situações. Natural que Allen recrutasse, pois, esse senhor desajeitado e misantropo, que tira justamente da sua inadequação perante a sociedade toda a verve do seu humor.

Allen mantém-se (bem) acima da média porque, entre coisas, é um Autor. Goste-se ou não dele, há que se reconhecer que seus filmes têm a sua assinatura. Nesses tempos em que diretores de cinema são contratados por empreitadas para realizar projetos, e não fazer filmes, é um alento que Allen continue produzindo. No mesmo fim de semana estreou em Brasília Sex and The City 2, um exemplo eloqüente da discrepância entre o cinema-produto e cinema-arte. Enquanto no delírio consumista das quatro patricinhas de Nova York todo mundo é bonito, politicamente correto e toma Cosmopolitans, no filme de Allen só há gente esquisita, ou seja, gente de verdade, sem um código de barras na testa, que têm problemas de estômago e famílias disfuncionais. São professores universitários que conversam sobre arte e fazem observações cáusticas sobre a condição humana. De repente Boris vira-se para a câmera e diz: “Ei você, sua ameba, seu protozoário infecto que está assistindo essa porcaria no cinema, quer que eu te conte uma história?” Lá pelas tantas, alguém provoca: “Deus é gay.”

O filme não foi muito bem recebido pela crítica, que o achou presunçoso. No Metacritic recebeu 45, e a maioria dos resenhistas se ressentiu com o fato de o protagonista dizer o tempo inteiro coisas como “a raça humana é um vírus maldito” ou “as pessoas são burras, ignorantes e violentas.” Como se não fosse verdade.

http://www.youtube.com/watch?v=wAgp2Bgrl0g

Lost recicla o conceito de Consumidor Otário

2010-05-25T22:17:00.001-03:00

Foi exibido ontem no Brasil pela AXN às 22:00 horas o último capítulo inédito da última temporada de Lost. Hoje o Brasil é um lugar melhor.

Pra quem esperou tanto pelo desfecho, ficou evidente que a primeira e mais óbvias das teorias (de que todos estavam mortos) é a correta. Mas a idéia de que além disso os personagens pudessem estar ou em outra dimensão ou loucos ou extraviados no tempo ou sendo manipulados por algo desconhecido mas remotamente plausível, é oca. Havia a expectativa de que os números tirados na loteria pelo gordinho, junto com o código que desarma a bomba, assim com as mensagens subliminares do projeto Darma, remetessem a alguma constante matemática que justificasse certas suposições. Não rola. Chegou-se a crer que os encontros fortuitos dos personagens em realidades paralelas em forma de flaskback e flashfoward somassem alguma coisa ao entendimento da trama, dando indícios de algum desígnio desconhecido. Em vão. Em algum momento intuiu-se que por trás dos diálogos pretensamente filosóficos haveria a “dica” pra algum fato banal e de grande importância. Perda de tempo. Imaginou-se até que o Projeto Darma pudesse ser a metáfora de uma força que mal compreendemos, mas que exerce um poder sinistro, capaz de embaralhar nossa percepção de tempo e espaço. Blá. O negócio é tudo junto misturado, e nada ao mesmo tempo.

Se Lost é um “fenômeno “cultural” que agregou a internet e a televisão, se há punheteiros que perdem tempo discutindo a cor do sutiã da Kate, é porque são todos otários. Nesses tempos de véspera de Copa notícias como “Robinho equilibra a bola no nariz” ou “Luis Fabiano faz coco” também são “fenômenos culturais” altamente twittados. Mas o pior do último capítulo de Lost não são as Pedras Estilo Aerólito do Chapolim. Nem a fumacinha de discoteca que sai das entranhas do estúdio de papelão. É a falta de senso dos produtores de Holywood e a triste constatação de que pra todos os efeitos e até que se prove o contrário JJ Abrhas é “um gênio.” Em fazer amigos, talvez.

O cara que assistiu Lost até o final é um otário porque comprou uma Coisa Simplesmente Babaca quando pensava que estava comprando Uma Coisa Altamente Complexa. Jogou na latrina algo como cento e cinqüenta horas da sua vida, achando lindo não entender nada do que estava acontecendo, como se assistisse o James Joyce das séries. Os menos otários pularam antes e abandonaram na segunda ou terceira temporada. Os fanáticos agüentaram até o final. O fanatismo ainda vai destruir o mundo.

Ainda assim, valeu botar farinha na pizza. Nos Estados Unidos, cada inserção de trinta segundos durante os intervalos custava 900 mil dólares.

Mas talvez haja um Segredo Metalingüístico por trás do último capítulo de Lost. Nesse sentido ele é mais surreal do que as cenas “Eu vou te amar pra sempre, meu amor” e “Vou te dar uma lição, seu vilão bandido” fazem supor: não eram os personagens que estavam perdidos, e sim os roteiristas. Essa maconha tava estragada.

http://www.youtube.com/watch?v=T_TcaWqC2eI

Pesadelo esculpido no gelo

2010-05-18T21:47:00.001-03:00

Não foram poucas as loas entoadas a Deixe Ela Entrar (Let The Right One In, Suécia, 2008). “Uma obra-prima do gênero” e “O melhor filme de vampiro desde Nosferatu” foram algumas. Recebeu mais de cinquenta prêmios em festivais. Ganhou 82 no Metacritic, site que compila e organiza críticas de cinema. Merece.

O diretor sueco Tomas Alfredson acerta em quase tudo nesse que é um dos melhores e mais tristes filmes de terror dos últimos tempos. Passado em Estocolmo e mostrando paisagens geladas e pessoas isoladas, sempre com uma fotografia plástica, simétrica e estourando de branca, ele cria uma melancolia que não é comum em filmes do gênero, e é isso que o faz tão especial.

Alfredson também é comedido no uso de algumas ferramentas específicas do cinema que caíram na frivolidade de tão excessivamente utilizadas, como o jogo de foco e contra-foco e a trilha sonora que emerge em momentos decisivos. Na maior parte do tempo o filme é silencioso, comedido e quase estóico. Um legítimo “filme europeu”, mas que usa a linguagem do Terror de uma forma não-convencional. A vampira aqui – se é que merece esse nome – é uma pura menina de doze anos, com olhos que dificilmente poderiam ser maiores e mais expressivos. Do ponto de vista formal, o diretor alcança com excelência todos os graus de verossimilhança ao mostrar e contextualizar esse pequeno demônio.

Deixe ela entrar faz parte da programação do Festival de Cinema Europeu 2010 no Cine- Brasília. Eventos como esse servem para lembrar um fato aparentemente óbvio – existe cinema além de Holywood. E para celebrarmos a pequena benção que é ver um filme europeu. Na mesma noite, mais da metade das salas do circuito comercial de Brasília passava filmes dos Estados Unidos.

http://www.youtube.com/watch?v=ICp4g9p_rgo&feature=related

Astro-arqueologia experimental

2010-05-13T11:31:00.001-03:00

O astro-arqueólogo Yusif Rockenheimer fala sobre alguns temas relevantes a respeito da sociedade contemporânea.

http://www.youtube.com/watch?v=YRBF37Nh-4U

Eu sou o que voa

2010-05-05T11:04:00.001-03:00

Tito Lito é um Transformer que voa.

http://www.youtube.com/watch?v=g6-dOKkLgIs

Como fumar sem prejudicar a saúde

2010-04-27T23:18:00.001-03:00

O músico e boêmio Coqueiro ensina como fumar sem prejudicar a saúde.

http://www.youtube.com/watch?v=Xc3wgJtE4dY

Filhos da Europa

2010-04-22T09:05:00.001-03:00

O psicanalista Sigmund Freud tira um cochilo depois do almoço.

http://www.youtube.com/watch?v=gXMj1Ae1lAU

Girls Making Art

2010-04-22T08:57:00.001-03:00

Atrizes do grupo Andaime se preparam para o espetáculo "Desesperar."

http://www.youtube.com/watch?v=rlxgOBBwoLA

Mc Besson

2010-04-20T13:16:00.001-03:00

É moda dizer que o império americano está em declínio e que a atual geração está assistindo ao ocaso do dos Estados Unidos da América. Não sei não, mas acho uma simplificação barata. Posso estar exagerando, mas eu não hesitaria em dizer que o Google é mais poderoso e influente que, digamos, a Alemanha. E que a Apple é mais inovadora do que todas as empresas de tecnologia japonesas e sul-coreanas juntas e multiplicadas.

O “destino manifesto” norte-americano manifestou-se de fato após a segunda guerra mundial. Considerando 1945 o Ano I da Era Atômica, Cibernética e Espacial, não é exagero dizer que desde então os EUA foram a grande potência econômica e cultural do mundo, sobrepujando o Império Soviético e espalhando os ciclos virtuosos da economia de mercado. Mesmo com todos os defeitos, as hipocrisias e as caretices, levaram às últimas conseqüências conceitos simples como “liberdade de imprensa” e “igualdade perante a lei.” Pro bem ou pro mal, influenciaram gerações e gerações de artistas e, particularmente, cineastas. Há quem saiba fazer uma “antropofagia cultural” e assimile conceitos e idéias para misturá-las com sua cultura local. E quem os copie de cabo a rabo, como é o caso de Luc Beson.

A triste constatação aqui é que, ao invés de um deslumbrado diretor de Bolywood (a Holywood indiana) ou de papagaio tropical (como Daniel Filho, que chupou o roteiro de Se Eu Fosse você de uma comédia gringa), Luc Besson é um experiente cineasta francês, tributário de uma cultura milenar e de uma tradição cinematográfica com personalidade própria. Não estou aqui defendendo que ele devesse prestar homenagens à Godar, Touffaut e o resto da galerinha do Nouvelle Vague, de resto superestimados. Nem que em seus filmes os personagens discutissem Voltaire, Foucalt e Deleuze e Derrida. Só fico embasbacado ao constatar que seus filmes não têm um nada de autoria. São filmes de ação norte-americanos feitos na França. Ponto.

Não é de hoje. Há tempos essa vem sendo a linha seguida por Besson. Um dos seus primeiros sucessos, O Profissional, poderia muito bem ter sido interpretado por Bruce Willis, representante por definição do American Way of Life. Mas sua compulsão por emular filmes ruins norte-americanos chegou ao paroxismo com O Quinto Elemento, ficção científica barata da pior qualidade, cheio de pirotecnia e com um roteiro desprezível.

Ele mantém a fórmula com From Paris With Love (que no Brasil foi belamente traduzido como Dupla Implacável). Nesse thriller de ação, Jonathan Rhys e Jon Travolta vão destruir e aniquilar algumas células terroristas em Paris. Aqui, Besson presta o seu tributo máximo ao país que tanto idolatra. Os dois norte-americanos são espertos, rápidos, mortíferos e irônicos. Quando fazem alguma referência à cultura francesa, é pra sugerir que são sujos, promíscuos e extravagantes. Como o motivo é nobre e urgente, eles não devem satisfação de nada. Á ninguém. Alguém se arriscaria a uma analogia política?

No meio da barafunda de massacres e explosões, o personagem de Jhon Travolta tem um único e raro momento de alegria e contentamento: comer um Quarteirão com Queijo.

É curioso que Besson seja tão apaixonado pela cultura norte-americana, porque historicamente há até uma certa rivalidade pra ver quem é de fato o “farol iluminista” do mundo. Contam que antes da Segunda Guerra, era normal que as crianças aprendessem no colégio francês, e não inglês. Entre os intelectuais principalmente ainda vigora essa nostalgia de uma época em que a “escola francesa” dominava a teoria.

A rivalidade é positiva. Estranha é a adoração incondicional de um cineasta como Luc Besson, que em seu último filme fez uma exacerbada declaração de amor ao estilo norte-americano de ser e de resolver problemas. De Paris, com amor.

http://www.youtube.com/watch?v=1sLG0owba0E

Cinema Verdade!

2010-04-16T12:58:00.001-03:00

Com uma câmera e um bote inflável no meio da enchente carioca, fizeram esse vídeo-verdade. Destaque pro depoimento encolerizado do cidadão no carro. Eu dou cinco estrelas.

"Foda-se que a Britney Spears tá gravida de um cavalo!"

http://www.youtube.com/watch?v=PeduZpj_Zsc

Cine-biografia de Tomate e Ovo Podre

2010-04-14T13:27:00.001-03:00

A egotrip dos músicos sertanejos parece não ter limite. Legítimos representantes do estilo “novo-rico” de ser, caudatários de uma ascensão social fulminante, eles gastam rios de dinheiro em jaquetas de couro, cavalos de raça e fivelas de brilhantes. Assim como jogadores de futebol que saíram das favelas e do dia para a noite ficaram milionários, os breganejos saem por aí queimando dinheiro sem nenhum critério, nenhum escrúpulo e nenhum peso na consciência.

O problema é que agora, pra desgraça do povo e infelicidade geral da nação, eles descobriram um novo brinquedo: o cinema. Eu sei que dói ler isso, mas prepare-se: depois da tragédia auto bajulatória de Dois Filhos de Francisco, uma nova bomba de hidrogênio vai estourar bem no meio do cinema brasileiro.

A história da dupla sertaneja Leandro e Leonardo vai virar filme.

Do ponto de vista psicanalítico, caberia perguntar o quanto de vaidade e exibicionismo pode caber dentro de um ser humano para que ele permita que se faça um filme desses enquanto está vivo. Depois que morrer, morreu. Mas esses casos abrem um precedente perigoso e atiçam a vontade dos outros. Daqui a pouco estarão em cartaz coisas como a cine-biografia do Jota Quest ou do Fresno. É triste, porque o cinema, ao invés de um veículo de expressão de jovens artistas, acaba virando um brinquedinho auto-referente nas mãos desses terroristas culturais. Quando Caetano pediu dinheiro da Lei Rouanet pra uma turnê, todo mundo chiou, alegando que um “medalhão” não precisava de incentivo estatal. Pois bem, se a produtora desse filme pedir um centavo que seja ao governo, vai ser anti-ético, imoral e feio, muito feio.

Catadores de tomate que viram astros do sertanejo,sei. De tomate eu também entendo. E ovo podre também.

Daniel Filho do Capeta

2010-04-08T22:59:00.001-03:00

Daniel Filho é um espírito maligno encarnado no cinema brasileiro. No seu currículo há maldições como Se Eu fosse Você 2. Na função de supervisor artístico, ajudou a produzir Tainá, Uma Aventura na Amazônia e Dois Filhos de Francisco. Mas foi como senhor feudal da televisão nacional que construiu uma vasta carreira, sempre ajudando a disseminar o Padrão Globo de Banalidade, com novelas como Suave Veneno.

O padrão continua com o recém lançado Chico Xavier, cine biografia do polêmico médium brasileiro. É incrível como Daniel Filho consegue transplantar para o cinema tudo de pior que apreendeu na televisão e como tudo no filme lembra o mundo encantado de uma certa emissora carioca. Os cenários parecem saídos do Projac. O figurino é idêntico ao das novelas de época da Globo, com seus ternos limpinhos e bem cortados. Um por um desfilam os atores globais, se estrepando pra simular um sotaque mineiro. E os diálogos, coitados, nem merecem comentários. O filme é uma homenagem da rede Globo a si mesma (pois ela acha que é santa e vai redimir o Brasil). Esse monstro tributário do militarismo perpetua-se tendo Daniel Filho e Pedro Bial como seus avatares no mundo real.

Quem sai perdendo são os pobres mortais. Estima-se que há mais de três milhões de espíritas no Brasil. Eles verão o filme de qualquer jeito, porque uma outra cine biografia de Chico Xavier, agora só na próxima encarnação.

http://www.youtube.com/watch?v=rTZkfZZmlME

O universo em Imax 3d (mas pode tirar o sateletezinho do vácuo)

2010-04-07T11:18:00.001-03:00

A tecnologia 3D é fascinante. Pena que o nível dos filmes seja tão mais ou menos. Finalmente alguém tentou alguma coisa mais experimental. Imagens do telescópio Hubble em tela Imax. A história está nessa página do NY Times:

delire. digo, confira

A pergunta é: qual a chance desse filme entrar no circuito comercial brasileiro?

O comedor de vidro

2010-03-18T23:36:00.001-03:00

Michael Haneke é o tipo de pessoa que poderia convidá-lo pra jantar na casa dele, servir uma bela macarronada, discutir altos temas da filosofia e da psicanálise e dizer, já na hora do cafezinho: “Permita-me revelar, cavalheiro, que envenenei sua comida. Você terá uma morte lenta e dolorida, e eu vou assistir enquanto palito os dentes.”

Quem acha que é exagero, basta dar uma olhada no grau de sadismo de algumas cenas que compôs: em Cachê, um francês de classe média recebe uma fita pelo correio. Ao tocá-la no vídeo cassete, descobre que alguém esteve filmando a frente da sua casa durante horas. (Já a cena, dura só minutos. Mas são muitos).

No recente A Fita Branca, o grande laureado de Cannes no ano passado, algum espírito de porco estica um fio quase invisível na estrada. Um cidadão vem galopando desavisado e o cavalo tropeça feio. Voa pelos ares e a clavícula sai pelo pescoço. O infeliz cai de boca no chão.

Mas ele não é sempre tão sutil: em Violência Gratuita, um casal de psicopatas chega numa bela casa de campo com o propósito de torturar uma família. Um primor de delicadeza.

Por mais que Cachê possa ser lido como uma metáfora do sentimento de culpa dos franceses em relação aos miseráveis imigrantes africanos, ainda que dez entre dez críticos tenham apontado A Fita Branca como uma analogia do nazismo na Alemanha de 1915, o mérito de Haneke não é sociológico nem estético: é, antes de qualquer coisa, psicanalítico. Se filmasse uma ficção científica, seus cosmonautas seriam assolados pela culpa e pelo medo do desconhecido. Se escrevesse um faroeste, seu herói iria bolinar crianças entre um e outro tiroteio: Heneke é um desses cineastas “chatos” que fazem filmes “adultos” e “sérios.” Mas ele transcende, por exemplo, o niilismo adolescente de Lars Von Trier. A violência, ironicamente, não é gratuita. Pelo contrário, tem raízes profundas, pantanosas, inconfessáveis. Freud assistiria a seus filmes exultando de alegria e, provavelmente, se masturbando.

Haneke pretende mostrar que somos todos monstruosos? Ninguém iria reinventar a roda a essa altura do campeonato. Tampouco pretende, como Sade, partir para a aniquilação total: “Poderíamos, talvez, atacar o sol, privar dele o universo ou nos servirmos dele para fogo ao mundo, isso sim, seriam crimes.”

Haneke é mais insidioso: em A Fita Branca, pode-se dizer que ele chegou ao extremo da maldade. Não há cabeças explodindo, corpos torturados ou mutilados, mas crianças sofrendo violências. E uma ironia clara: a impecável fotografia em preto e branco e planos perfeitos mostram personagens com medo, com inveja, com fúria fermentando como uma úlcera. Há ignorância, brutalidade, cinismo, nojo e desentendimento. E, aqui e ali, uma cena poética. Melhor assistir de barriga vazia.

Trailler de \"A Fita Branca\"

O concluio dos medíocres

2010-03-10T13:17:00.001-03:00

Que assistir o Oscar e uma experiência degradante, todo mundo sabe. Ou alguém leva a sério uma cerimônia que premia Titanic como melhor filme? Mas agora até eles se superaram e conspurcaram de merda radioativa a categoria de Melhor Filme Estrangeiro: simplesmente ignoraram A Fita Branca, de Haneke, comparado aos melhores momentos de Bergman, e sagraram vencedor o estúpido suspense policial argentino O segredo dos Seus Olhos, de Juan Jose Campanella.

A melancolia e a cólera portenham chegam aqui a um extremo de revirar o estômago: os personagens são movidos apenas pelo desejo de vingança. Um crime estúpido ocorre, e durante duas horas o sentimento de vingança, remorso e impotência corroem o espectador. Depois da morte da jovem esposa, um infeliz viúvo dedica o resto da vida a apanhar o assassino. O promotor público vivido por Ricardo Darin também tem essa única motivação. (Os últimos cinco filmes argentinos que tive o desprazer de assistir foram com ele. Se já estou de saco cheio, imagine os seus conterrâneos). Uma pista pode solucionar o crime: certos olhares que um amigo de infância lançava à vítima em velhas fotografias. É sobre essa estrutura de isopor e concreto oco que o filme se desenrola.

Mas não é só isso: Campanella aparentemente dirigiu alguns seriados norte americanos, e levou para o cinema argentino os piores vícios e clichês da narrativa policial: o valente promotor que entra no fórum e vai tirar satisfações com o colega de trabalho chamando-o de "canalha" enquanto a turba segura os dois e pede "calma, calma". Ou o bêbado viciado em futebol que "mata a charada" ao discorrer sobre as glórias do seu time, que vem a ser o mesmo do assassino, cujas cartas eram echarcadas de referências à essa paixão em comum. Tudo ensaiado, estudado, como uma peça de teatro ruim calcada sobre um roteiro pior ainda. O segredo dos seus olhos (e esse nome? puta que pariu) é um filme nada inventivo, com zero de originalidade, e com todos os defeitos de um diretor corroído pela mediocridade.

Novo filme de André Catuaba !

2010-03-04T10:58:00.001-03:00

André Catuaba apresenta Woody Allen Tocando Clarineta! Clique aqui (ou assista logo abaixo) e seja feliz!

Dá ou não dá vontade de conhecer a terrinha de Lou Reed, Henry Miller e o resto da galerinha?

Corre que é ruim

2010-02-18T11:32:00.001-02:00

Filmes de zumbis são quase sempre uma coisa meio babaca: morto-vivos repugnantes correm atrás de mocinhas indefesas em busca de um belo ritual de canibalismo. Psicanaliticamente falando, deve haver uma ou duas hipóteses sobre o porquê se fazem tantos filmes de zumbis, e porque eles são tão parecidos. Seria algo arquetípico e, se Jung se detivesse no estudo dessas criaturas, provavelmente diria que todos temos um zumbi canibal em algum lugar do inconsciente.

Zombieland, dirigido por Rubem Fleischer, é uma comédia que supostamente tira sarro do gênero. Mas a verdade é que a coisa é bem sem graça. Uma dupla cheia de idiossincrasias (um nerd e um cowboy aniquilador de zumbis) cruza o continente devastado pela peste. No meio do caminho, encontra duas belas trapaceiras. Algumas gags depois (incluindo uma aparição metalingüística de Bill Murray) há um romance. Realmente, ninguém esperava.

Mas há outro aspecto cultural em Zombiland: a banalização e espetacularização da violência. Como os zumbis foram privados de humanidade e agem como cães raivosos, urge matá-los. E como esse é o único passatempo possível, novas formar de assassinato são inventadas e saboreadas. Filmes de zumbis podem servir de alegoria política, mas aqui tudo funciona no nível psicológico: o Id, finalmente libertado, pode – e deve – matar e aniquilar tudo o que vir pela frente. É o universo proposto por Dostoievky, onde tudo é permitido. Até o último feitiche da sociedade de consumo, o saque: o grupo de sobreviventes saqueia e destrói os lugares por onde passa, sem peso na consciência. Porque não há lei, estado, superego ou autoridade. Uma fantasia anarquista, sem dúvida. Mas meio babaca.

O Imaculado Filho da Pátria

2010-01-05T10:55:00.001-02:00

Lula fala no sindicato dos metalúrgicos e a multidão grita: “LULA, LULA!” Ele discursa na reunião dos trabalhadores do ABC e a turba exulta de novo: “LULA, LULA!” Sai dos DOPS pra ir ao enterro da mãe e o que é que o povo diz? “LULA, LULA!”

Muito estardalhaço se fez a respeito do filme de Bruno Barreto, sugerindo que seria uma canalhice eleitoral. Antes fosse.Lula, o filho do Brasil, é um daqueles melodramas que brabos, com direito a todos os clichês do gênero. Como a musiquinha romântica e os flashbacks lembrando “tudo o que passamos juntos” enquanto Lula enterra a mãe. Ou o enquadramento pegando um coração de néon enquanto ele beija a namorada numa danceteria da Vila Carioca. O estilo “quadradão” do filme não ajuda: algumas atuações são pífias e o maniqueísmo impera. Lula é um Espírito Santo que veio a terra redimir os pecados dos homens e, pra variar, toda oposição é linda, e todo militar é o cão.

Se era pra mexer com os brios, por que não chutar o balde de vez? Mas não. Nas passeatas e assembléias do ABC os trabalhadores se vestem de branco e carregam faixas e bandeiras brancas, como se estivessem pleiteando a paz no mundo, e não aumento de salário. Não se fala em partidos políticos, apenas muito vagamente em “comunistas.” E Lula, além de abençoado, ainda é arrastado pra luta política. Ele só queria ter uma vidinha família sossegada, mas o povo exige uma liderança, e ele é impelido a expurgar a maldade do coração humano: “LULA, LULA!”

Lula é hoje praticamente uma unanimidade e até Obama já o chamou de “o cara.” Sua popularidade é tão grande que eu não me espantaria nada se em 2060 fosse canonizado pelo Vaticano. E Glória Pires, que interpreta sua mãe, também está em todas: ganhou Melhor Atriz no Festival de Brasília por É Proibido Fumar e está na capa da Revista da Net com Toni Ramos, formando o “casal irresistível do megasucesso Se Eu Fosse Você 2.” Dois filhos do Brasil. Ficou faltando um filho da puta.

É proibido chorar

2009-12-31T11:04:00.001-02:00

É Proibido Fumar, de Ana Muylaert, levou o prêmio de melhor filme no Festival de Cinema de Brasília em 2009, mas não é tão bom quanto parece, principalmente se comparado ao trabalho anterior da diretora, Durval Discos. E mais principalmente ainda se você não tiver estômago de avestruz pra ver, lá pelos sessenta e três minutos de filme, Glória Pires chorando e lembrando o bolo de amendoim que sua tia fazia: é a hora em que a coisa deixa de ser engraçadinha pra se tornar ridícula.

A personagem tirar um chororô da cartola é apenas um dos cacoetes do filme. A própria trama (solteirona se apaixona pelo vizinho e faz um buraco na parede para espiá-lo) é de uma originalidade atroz, como se vê. E a morte esdrúxula de um dos personagens no final do filme coroa um roteiro que parte do nada pra chegar a lugar algum: esse sim é um Cacoete com C maiúsculo.

O que é uma pena. Por que, pelos jogos de câmera, pela edição, pelas pequenas originalidades de enquadramento, dá pra perceber que Ana tem bom senso estético e sabe fazer o negócio direitinho. Só falta arrumar um roteiro que preste. E não sucumbir, em hipótese alguma, ao melodrama.

Planeta USB

2009-12-22T10:22:00.001-02:00

É irônico que Avatar se passe justamente num planeta que simula uma enorme floresta tropical. Porque tudo nele lembra ou sugere tecnologia de ponta. Principalmente os seus habitantes azuis, os Na´vi, que conectam a ponta das suas tranças e rabos à outros animais, compartilhando dados. Ou a imensa Árvore das Almas, feita de filigranas fosforescentes, que pode fazer o download da consciência: num arroubo deleuziano, poderia muito bem ser interpretada como a Placa Mãe do Planeta Pandora.

O filme Avatar é tão somente uma desculpa para James Cameron apresentar a nova tecnologia 3D (que de fato transmite uma incrível sensação de profundidade) e embasbacar o espectador com imagens arrebatadoras das montanhas flutuantes de Pandora. O roteiro, que é só uma versão requentada de Dança com Lobos (a coisa bem poderia se chamar Dança com Ets Azuis) é irrelevante. Irrelevante e, ao final, constrangedor, com cenas épicas da batalha entre o mocinho e o bandido, com direito à trilha melodramática e os piores clichês do gênero. Alguém já disse que Cameron é um cineasta que se leva muito a sério, e é verdade: não há em Avatar um milímetro de humor, mesmo que involuntário. Fosse esse mesmo filme feito dez anos atrás, com menos tecnologia e menos dinheiro, estaria fadado a ser só mais um. Como veio cheio de penduricalhos, é a Carmem Miranda da temporada 2009: com laranjas, abacaxis e balangadãs pendurados na cabeça, fica difícil não notá-lo.

O triste é constatar que Cameron tem meio bilhão de dólares para fazer um filme, mas não conhece uma alma abençoada pela sanidade que possa soprar-lhe no ouvido a vacuidade do roteiro com que está trabalhando. E é isso que esse nerd sem noção tem a apresentar: uma estrutura de show do Pink Floyd com o som do Bruno e Marrone.

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2009-12-16T08:22:00.001-02:00

E se a maioria decidir por uma ditadura?

Excesso de democracia pode ser um problema?

Ninguém nunca perdeu dinheiro em Holywood subestimando o gosto das audiências.

A respeito de Huxley e Baudelaire, escreve Breton: "Não será o temor da loucura que nos forçará a hastear a bandeira da imaginação à meio pau."

Ou:

É a opinião que governa o mundo, e cabe a vós governar a opinião.

Quem disser que não ficou com medo tá mentindo

2009-12-16T07:41:00.001-02:00

2009 foi um ano de crise financeira. Não para Oren Peli, que lançou no mercado um ativo financeiro que custou 15 mil dólares para ser produzido e hoje já ultrapassou o lucro dos 100 milhões. O ativo é Atividade Paranormal, e o lucro assombroso faz sentido: o filme é realmente assustador. Na minha singela opinião, o filme mais assustador já produzido, que faz O Exorcista parecer um clipe do Balão Mágico. Para se expor a tamanho grau de crueldade, recomendo fortemente que se vá ao cinema, que amplia todos os sentidos. Visto na televisão, é provável que perca muito do seu impacto.

Seguindo a filosofia glauberiana de “uma câmera na mão e uma idéia na cabeça” (embora muito provavelmente não saiba que é Glauber, feliz dele) Peli fez um filme com um cenário, pouquíssimos atores (dois, em noventa por cento do tempo) e zero de efeitos especiais. Criou uma entidade maligna e invisível para atormentar uma mulher nos seus momentos de maior fragilidade: o sono. Essa premissa freudiana já foi utilizada à exaustão em filmes de terror, e sempre há alguém que é “engolido” pela cama ou um mostrinho ao estilo Fredy Grueguer que entra nos seus sonhos para fazer buuuuu. A originalidade aqui é o método quase franciscano de esmagar os nervos do espectador. Na primeira meia hora, não acontece nada. Aos poucos, coisas estranhas são engendradas por essa entidade.

Atividade Paranormal tinha tudo para dar errado, mas dá certo: junta duas idéias já batidas (a linguagem de pseudo documentário e o terror onírico) e usa atores inexperientes. Por conta do talento do diretor, a coisa dá radicalmente certo: as interpretações são convincentes e a escalada de tensão é orquestrada com tamanha precisão que ao final só nos resta rezar na cadeira do cinema, com a boca seca e o coração aos pulos. A porra do filme da medo.

Roland Emmerich vai ao psicanalista

2009-11-27T08:52:00.001-02:00

Eu... eu fiz de novo. Está em centenas de sala ao redor do mundo. Distribuição maciça. Toda a imprensa está cobrindo... está lá, pra todo mundo ver. Eu destruí o mundo de novo. Dessa vez explosões dentro do sol ativam os neutrinos no núcleo da terra, as placas tectônicas deslizam de um lado para o outro, ondas gigantes se formam e engolem os continentes.... os efeitos são tremendamente realistas.... eu derrubo o Cristo Redentor, a Torre Eifel e o Obelisco de Washington... eu aniquilo a humanidade praticamente inteira... de novo... sei que isso está se tornando recorrente, e gostaria que o senhor me dissesse que não há nada de errado comigo.... como o senhor sabe, já destruí o mundo através dos ETs em Indepence Day... na época, os efeitos também foram revolucionários... aqueles enormes raios dizimando todas aquelas metrópoles, as pessoas correndo e fugindo indefesas.... morrendo.... aos montes... indefesas perante o inexorável.... e depois o frio em O Dia Depois de Amanhã.... todo o planeta congelado e a humanidade extinta como um picolé estragado... isso sem falar em Godzila.... doutor, eu estive pensando... acho que sou o maior genocida da história da humanidade. Já destruí o mundo tantas vezes, como efeitos tão sofisticados, com tanta inovação e crueldade... sim....sou o maior genocida de todos os tempos... já devo ter aniquilado em todos os meus filmes mais de cinqüenta bilhões de pessoas... mas sempre sobram meia dúzia de três ou quatro e eles são heróis e enfrentam dilemas morais... viu como há um fio de esperança, no fim das contas....? só gostaria que o senhor me dissesse que essa obsessão recorrente com o apocalipse é apenas uma extravagância intelectual... que não há nada de errado comigo psicanaliticamente falando.... que isso não é um desejo sublimado de aniquilação.... que não sou um monstro... enfim...

42º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro (deles)

2009-11-25T09:26:00.001-02:00

A cerimônia de encerramento do Festival de Brasília do Cinema Brasileiro é sempre uma coisa curiosa. Apenas cinco ou seis longa metragens dividem quase duas dúzias de prêmios. Na lateral do palco, um monte de bonequinhos “candangos” esperam para ser distribuídos. Além disso, há os prêmios concedidos pela Câmara Legislativa. Resultado: todos ganham vários prêmios. Os diretores sobem ao palco, agradecem, sobem de novo, agradecem mais, e assim a coisa se desenrola por mais de uma hora.

Ao todo, são mais de meio milhão de reais e quase quarenta prêmios, a maioria absoluta para os filmes em 35 mm. Dentre os filmes digitais, há os da “mostra competitiva” e aqueles que por algum motivo não são bons o suficientes para competir e que passam na tal “mostra Brasília” e concorrem apenas a um mísero prêmio da Câmara Legislativa. Me parece uma clara segregação de cineastas estreantes da cidade que não passam pelo crivo da produção. E, por último: por que cargas dágua o nome é “mostra digital” se os filmes são transferidos para uma pré histórica “fita beta” e a imagem projetada como a do velho vídeo K-7 da casa da minha avó? Estranho.

Ailás, por que esse feitiche com filmes de 35 mm ? Por que não valorizar e democratizar a competição digital?

O valor do homem cruel

2009-10-21T08:49:00.001-02:00

Não seria surpresa se eu revelasse que Bastardos Inglórios, o último filme de Tarantino, termina numa grande carnificina, com um monte de gente metralhada e carbonizada (dentro de um... cinema!). Afinal, no seu primeiro (e na minha opinião, melhor) filme, Cães de Aluguel, tudo também termina num grande banho de sangue, com os personagens se aniquilando simultaneamente, até que não sobre ninguém vivo pra contar a história – que, afinal, acabou de ser contada. É o mesmo artifício usado por Shakspeare em Macbeth e pesquisando um pouco você vai perceber que não foram poucas as obras de ficção que se valeram dele.

Há um porém: depois da Carnificina de Bastardos... há um pequeno epílogo, que também não vai prescindir do seu quinhão de crueldade. E todos os cinco capítulos que a antecedem (sim, o filme é dividido em capítulos que funcionam quase como micro-contos dramáticos) a carnificina está sempre em estado latente, na iminência de acontecer. Nesse sentido, Tarantino é sim um grande diretor que consegue enriquecer diálogos com alto grau de suspense e crueldade. Não fosse o seu tom de paródia, Bastardos... seria um filme para se ver com o cu na mão e os nervos esfrangalhados. Há diálogos belamente escritos e interpretados, nos quais o medo de morrer e a volúpia de matar existem quase como cláusulas pétreas.

A psicanalista Maria Rita Khel escreveu assim sobre a banalização da violência no cinema norte-americano: “Vamos achando normal que , na ficção, todos os conflitos terminem com a eliminação ou a violação do corpo do outro.” E vamos mesmo. Tarantino é a prova viva e ambulante disso: considerado um dos maiores diretores vivos, ao longo da carreira fez filmes que se excediam em crueldade. Já sodomizou, mutilou e enterrou gente viva. Basta olhar pra sua cara entre mefistotélica e maquiavélica pra saber que ele era uma criança que matava e torturava animaizinhos. Em suma, um homem cruel felizmente sublimado e recalcado: um artista.

Veneno da lata

2009-10-19T10:59:00.001-02:00

Também, não sei por que me exaspero. Se Salve Geral é em última análise um filme (ruim) de ação, com as mais previsíveis características do gênero, como perseguição de carros, núcleos de personagens maniqueístas, gags policiais, etc., o mesmo deve acontecer em Besouro, cujo trailler já está rolando. Só que, nesse caso, é um filme “de luta.” O cinema brasileiro está crescendo, mas para onde? Parece que a luta da vanguarda contra o mainstream, do múltiplo contra o único, está definitivamente perdida. O enlatado venceu. O cinema “autoral” brasileiro não vai desaparecer, mas deve continuar comendo pelas beiradas só o suficiente pra não morrer de inanição.

Há algo de escroto numa indústria que rotula seus filmes e os encaixa em esquemas comerciais antes mesmo de lançá-los. Ao que parece vieram até coreógrafos de Holywood para bolar as cenas de luta de Besouro, que assim pretende emular todos os truques de gente voando e subindo pelas paredes. Vai ser um “Herói” brasileiro, com uma pitada de sangue negro e o exotismo da capoeira pra inglês ver.

Não que haja algo de exclusivamente errado com gêneros: Stanley Kubrick fez filmes de terror, de guerra, de ficção científica, de humor negro, sendo sempre Stanley Kubrick, fazendo do gênero um trampolim para seu vôo autoral. Não que Kubrick seja padrão para alguma coisa, mas pegue por exemplo um filme como Distrito 9: partindo de uma premissa genial, o filme tem o formato de documentário. Várias fontes imagéticas se reservam na narrativa: reportagens, câmeras de segurança, vídeos institucionais, depoimentos. Lá pela metade do filme, entretanto, o formato “cinemão” se instala insidiosamente, como quem não quer nada, e a coisa se transforma em um filme de ação. O estilo documental desaparece, simplesmente.

É irônico: novas tecnologias digitais vieram “democratizar” os filmes, mas parece que a Era dos Enlatados está longe de acabar. O que não deve desanimar gente que faz e pensa o cinema nessa luta do rochedo contra o mar.

Pastel de vento

2009-10-06T10:33:00.001-03:00

Sérgio Resende é um cineasta quadradão. Seu jogo de cintura na direção de Salve Geral é a de um gringo dançando lambada e ele ainda macaqueia o que há de pior no cinema de ação norte-americano, como a trilha vitaminada de adrenalina na hora das perseguições de carro ou como o formato historinha-familiar no meio do caos e de um universo diegético maior. Em vez de fazer um filme mais autoral e etnográfico sobre um tema tão rico (o PCC), Resende optou por rodar uma caralhada de cenas pouco originais com atores pouco inspirados e, parece, pouco à vontade. Há até facínoras enjaulados que falam um português irretocável: “Vamos subir eles todos” diz um deles com voz de locutor, caprichando na concordância.

Há em São Paulo uma população carcerária de cento e cinqüenta mil presos e é lógico que de alguma forma eles vão se organizar. É esse sindicato do crime o bando (mal) retratado pelo filme, tendo Michel Gomes, que já foi o sequestrador violento e entorpecido de Bruno Barreto em Última para 174, o seu mais crédulo soldado. Ele grita à plenos pulmões o lema da organização PAZ, JUSTIÇA e LIBERDADE (corruptela do lema iluminista), mas que bem poderia ser PICOLÉ, MARSHMALLOW e PIRULITO. O fato de a “firma” travestir-se de “movimento social” só chocaria os mais delicados. Ela de fato ajuda famílias de presos pobres com cestas-básicas, mas o seu objetivo básico é o de qualquer empresa privada: o lucro. Como são tratados basicamente como lixo os presos transformam esse sentimento de impotência em ódio generalizado contra o sistema e chegam cogitar explodir a bolsa de valores. O que Bakunin diria disso?

A confusão ideológica acirra os ânimos da polícia e do bandido deixando a população civil no meio do tiroteio. Os mais à esquerda tentam justificar as explosões de violência enquanto os liberais empedernidos clamam pelo abate das bestas sanguinárias. A revolta maciça em dezenas de presídios e a “guerra civil” que ocorreu nas ruas em 2006 foi como o epicentro desse problema e naturalmente serviu como cenário do filme. Fosse um diretor mais competente, teria filmado um Cidade de Deus paulistano. A matéria-prima estava toda lá.

O novo-rico fanfarrão e deslumbrado

2009-10-03T09:21:00.001-03:00

Vão ser cinematográficas as Olimpíadas no Rio de Janeiro em 2016 como foram as de 1936, filmadas por Leni Riefenstahl, cineasta gente-fina e propagandista do regime hitlerista. Agora que o Brasil é o papa-tudo do lobby esportivo internacional tá todo mundo feliz como pinto no lixo ou como um favelado que acabou de comprar uma TV de plasma, mas a gente continua sendo bom de bola e ruim de escola.

A brincadeira está orçada em 25 bilhões de reais, mas deve sair muito mais cara do que isso, como aconteceu no Pan e todo mundo sabe. Fala-se muito do “legado” a ser deixado pelo evento. Ora, o Engenhão foi construído para o Pan e depois arrendado pelo Botafogo. Hoje é irrisório o público que vai assistir a Estrela Solitária jogar sob a influência mística de Garrincha, Sobrenatural de Almeida e todos os deuses do futebol. Numa final de campeonato até pode encher, mas não vá esperando que o Botafogo consiga esse feito regularmente. De resto ficou aquele elefante branco no subúrbio do Rio de Janeiro e isso porque eu nem fui atrás de saber o preço da manutenção.

A frase mais twittada no dia em que foi anunciada a vitória do Rio foi “Yes, we Créu.”
Nesse clima de euforia, só algum comuna muito caricato ou alguém muito estraga festa perguntaria quantas escolas e hospitais poderiam ser feitos com vinte e cinco bilhões. Créu!

Qual será o futuro do soft-porn?

2009-09-29T10:51:00.001-03:00

O título original em espanhol é Diário de una Ninfómana (Diário de uma Ninfomaníaca) e em inglês Diary of a Sex Addict (Diário de uma Viciada em Sexo). Só o puritanismo ou a aversão ao lucro podem explicar porque cargas dágua o filme foi lançado no Brasil com o insosso e xexelento nome de Diário Proibido. O cartaz adverte que ele tem cenas de consumo de drogas, estupro e outras barbaridades. Como o bom sórdido e depravado que sou, entrei no cinema pronto para ser moralmente agredido, mas a coisa é na verdade até que bem comportada.

Seria um típico filme de “sexta sexy”, aquela sessão noturna da Band que os pré-adolescentes assistiam com fascínio e sofreguidão enquanto descabelavam o instrumento. Um vulto de bunda aqui, um peito ali, e o amor platônico e caudaloso pelas estrelas da televisão escorria pelas mãos. Hoje, com pornografia gratuita e ilimitada na internet, é interessante especular sobre qual será o futuro desses filminhos mais-ou-menos no estilo soft-porn. Eu diria que é o oblívio, não fosse pelo fato de que ele apresenta para a mundo a atriz Belén Fabra, que tem uma beleza européia e longilínea difícil de ser explicada, mas fácil de ser fruída. É ela a tal ninfomaníaca e, como explica também o cartaz, “desafiou as convenções sociais em busca de prazer.” Que uma frase de efeito dessas seja usada pra atrair incautos, normal. Estranho é alguém se escandalizar com outra mártir da promiscuidade em pleno ano de 2009.

Eis aí um doente mental

2009-09-25T12:57:00.001-03:00

Lars Von Trier é um doente mental. Não que todo e qualquer ser - humano sobre a terra não tenha, em algum grau, algum tipo de minhoca na cabeça, o que pode ser expresso na clássica frase de Caetano “de perto ninguém é normal.” Diria até que de perto ninguém é bonito – e dependendo nem cheiroso – mas esse cineasta dinamarquês fez questão de, com O Anticristo, chamar pra si a responsa de ser o maluquete da vez. Dividido em três partes – Pesar, Dor e Sofrimento – mais um prólogo e um epílogo, esse é com certeza um dos filmes mais fortes e viscerais já filmados nos últimos tempos. É pra quem tem estômago forte.

No belíssimo prólogo, uma câmera de alta definição filma um casal transando arrebatadoramente do banheiro, enquanto no quarto ao lado um bebê sai dor berço, vai até a janela e despenca lá embaixo, estourando no chão como um balão de água. O filme vai então mostrar o processo psicanalítico de cura da mãe, que naturalmente fica desnorteada e em depressão. Ela e o marido vão até uma cabana no meio da floresta – o Edem – onde vão isolar-se e encarar seus próprios abismos.

Tudo é muito simbólico: os personagens – Ele e Ela – tentam compreender e superar a fatalidade. Nesse meio tempo vão se deparar com a Mãe Natureza, que teima em mostrar a violência indiferente e involuntária que vigora lá fora. É nesse ponto Ele e Ela começam a desconfiar que talvez não haja saída para a neurose e o desespero. A Natureza não ajuda: implacável, teima em esfregar em suas caras o ciclo de morte e destruição que é a sua essência. O diretor, que já foi um purista do cinema artesanal com o movimento Dogma, aqui se rende a tecnologias digitais para reificar essa constatação – como na cena em que um pintinho morto é devorado à bicadas por um pássaro. Ou em outra em que um cachorro banhado se sangue diz (sim, você leu certo): “O Caos Reina.”

Nas duas primeiras partes, o filme oscila entre essas inserções bizarras e diálogos (alguns diriam pseudo) filosóficos entre Ele e Ela, lembrando as longas digressões de DogVille e Mandarlay. Mas a cereja (podre) do bolo está reservada para a parte final, Sofrimento, quando a coisa se transforma num espetáculo grotesco de dor, vergonha, humilhação, mutilação e desespero. Ela não vai se curar. Ele tampouco vai manter a sanidade. Derrotados, ambos vão destruir-se como uma espécie de protesto metafísico contra tudo e contra todos. O diretor parece sugerir que o processo psicanalítico é uma quimera: certas neuroses são simplesmente incuráveis, certo quinhão de sofrimento faz parte do jogo. Mas não satisfeito com sua dose de sofrimento, como um viciado crônico, ele quer mais: a última meia hora é um exercício cinematográfico de repugnância que supera todos os limites da boa educação, que lacera os nervos do espectador com muita, muita crueldade.

Eu diria que Las Von Trier fez uma catarse e um exorcismo, por acaso em forma de filme. Ninguém sai indiferente depois de passar pela experiência – e isso, já disse meu amigo Fred Macedo, tem um único nome: arte. Não sei até agora se o filme é bom (acho que não), mas é definitivamente forte: recomendável para nietzcheanos e para pervertidos que exultam com coisas como mutilação genital. Ou para depressivos que só estão esperando alguma motivação pra dar um tiro na boca.

Normais até demais

2009-09-04T12:39:00.001-03:00

Os normais 2 tem pelo menos um mérito: mostrar que pessoas “normais” de classe média vêem pornografia na internet e usam drogas. A personagem Vani vivida por Fernanda Torres experimenta gás hilariante, fuma um “bagulho xamânico” e prova umas “pílulas de Amsterdã.” Já Rui é viciado em internet banda larga e tem como único objetivo na vida (nobre, aliás) comer duas xoxotas ao mesmo tempo.

Os normais funcionava como série de TV e divertia o público com as idiossincrasias do casal protagonista, mas daí a render dois longas-metragens eu já acho um certo exagero caça-níquel: e que exagero! O filme bateu todos os recordes nacionais em número de cópias. São quase quatrocentas cópias, além de uma vigorosa campanha publicitária. É lucro líquido e certo.

O problema é que não há nenhum diferencial: o filme é igualzinho à série, e gags e piadas que até caberiam na TV, esse cubo mágico de elétrons que funciona vinte e quatro horas por dia, dão ao filme um ar de desleixo. A história chega a sustentar-se por dez minutos em cima de um trocadilho infame, como quando Rui e Vani acham fulana é bissexual quando na verdade é bi-campeã de Kick-Boxer. Há várias outras piadinhas de gosto duvidoso e apenas o “timing” entre Fernanda Torres e Luís Fernando Guimarães não sustenta essa brincadeira tão cara. Fernanda Young e seu marido devem ter escrito o roteiro em uma semana entre um e outro baseado e de repente são co-responsáveis por esse monstruoso acontecimento cultural que é um filme brasileiro com quatrocentas cópias. Isso sim é anormal.

Escandaloso e levemente tedioso

2009-08-29T14:05:00.001-03:00

Bruno nem é tão engraçado assim. Tinha visto outro dia o David Letterman se exasperar dizendo que era a quintessência da hilarideade, que não conseguia controlar as gargalhadas involuntárias, que quase cagou nas calças de tanto rir. Há claro duas ou três cenas que pelo grau de absurdo até provocam risadas. Por exemplo a que Bruno – um homossexual austríaco que quer ser a maior celebridade desde hitler – vai à um programa de auditório com um filho negro que ´trocou na África por um I-pod` ou a que ele e seu assistente se entregam à fornicação no meio de uma gaiola de gladiadores enquanto lá fora jovens bêbados e violentos pululando testosterona querem ver sangue.

A idéia é a mesma de Borat: provocar o máximo de escândalo nos lugares menos recomendados pra isso. Bruno e Borat chocam a classe média conservadora norte-americana com a sugestão de estupro, escatalologia, escravidão e o que mais causar arrepios. Algumas pessoas ficam com razão escandalizadas e outras nem percebem o que está acontecendo. Nesse sentido os filmes de Cohen dão o que pensar sobre as fronteiras entre ficção e não-ficção: na maioria do tempo não se sabe o que está sendo “encenado” e o que de fato está “acontecendo.”

De resto Coeh está ficando mundialmente famoso por interpretar personagens com meio milímetro de profundidade intelectual. Tem o seu mérito, que não é muito maior que isso.

Blasé Kitsch

2009-08-26T08:37:00.001-03:00

Reveladora a entrevista de Jonny Depp onde ele diz que não assiste a seus próprios filmes. É o símbolo do ator/operário, típico do mercado norte-americano, o cara que vai lá, faz as suas caras-e-bocas, cumpre com o seu contrato e ponto final. Ele deixa o set de filmagem como o mais reles funcionário público deixa a repartição ou o tribunal, com vontade de ir pra casa, encontrar a família e esquecer os aborrecimentos do dia. Haverá algo mais blasé?

Enquanto a turba sonha e respira cinema, enquanto jovens atores e atrizes dão a bunda por uma ponta em um filme, Depp flutua acima das meras aflições mortais se preocupando provavelmente com coisas muito mais relevantes, como a elevação das taxas de juros, o alastramento da gripe aviária ou preço do barril de petróleo. Aliás, fez ele muito bem em não assistir seu último trabalho, Inimigos Públicos, que não tem uma migalha de originalidade.

Kitsch do começo ao fim, Inimigos Públicos faz parte da galeria de filmes “onde a técnica de solicitação emotiva emerge como primeira característica indispensável de um produto popular que tende a adequar-se à sensibilidade de um público médio e estimular-lhe a procura comercial.” (Umberto Eco falando sobre o que é Kitsch afinal). Traduzindo: juras de amor entre o casal protagonista ao som de violinos; perseguições entre polícia-e-ladrão com muitas derrapagens e rajadas de metralhadoras; trocas de farpas supostamente cortantes entre mocinho e bandido, etc etc etc.

Coisas que você já viu trocentas vezes em filmes de gangsters, esse feitiche criminal de Holywood. Mas como um filme com um roteiro tão raso – bandido galã perseguido por mocinho careta – se faz passar por “cult”? Ora, com uma luz meio noir, pra dar um clima sombrio, um figurino impecável – todos alinhados até os dentes com chapéus, coletes, gravatas, tudo limpinho e impecável em plena Depressão – e um astro como Depp, ator de prestígio que faz filmes comerciais para depois esquecer que os fez e engordar a conta bancária.

Personal shaker: fake ou um serviço revolucionário?

2009-08-25T10:51:00.001-03:00

Já tinha ouvido no bar uma conversa sobre isso, achei que fosse caô. Um amigo disse que foi à uma festa no Pontão que oferecia o serviço. Pra me convencer, me mandou esse e-mail. Procurei no Google pela tal Felatio Produções e não achei nada. Será que é fake?

“Isso começou de forma casual na empresa. O pessoal do RH, numa visita a um congresso, espécie de feira de eventos de empresas latino-americanas, viu esse anúncio. Adotamos essa prática na empresa como uma brincadeira, sem terceirizar o serviço, e a coisa acabou se espalhando por outras empresas do ramo, ou não. E eu, particularmente, adoro a idéia.”
Veja o depoimento do executivo da sucursal da Fnord em Brasília, Mário Pereira Cohen: “Eu que freqüentei ambientes em São Paulo que utilizam esse serviço da Felatio Produções e o negócio é impressionante. É maravilhoso! Eu tenho muito mais vontade de mijar, agora. Recomendo. E assim é o esquema empreendedor. Eu vi esse troço e resolvi abrir um bar que oferece o serviço. Vai bombar, cês vão ver.”

Cavalheiros, gostaria de um minuto da sua atenção para apresentar um serviço revolucionário na área de atendimento ao público, a mais nova e espetacular invenção para produção de eventos: a personal shaker.

A personal shaker é uma profissional gabaritada, linda a bem apresentada que serve de hoster nos banheiros masculinos de eventos de gala. Ela organiza todo o banheiro, esse santuário da escatologia humana, deixa toalhas sempre limpinhas, tudo perfumado, e o melhor - e esse é o diferencial da personal shaker:

Ela acompanha os senhores até os mictórios, abrem as suas braguilhas, tiram o pênis para fora e miram com exatidão. Acompanham com carinho e dedicação todo o ato e depois, lindamente, balançam, até que saiam todas as gotículas de urina. Passam um papelzinho na cabeça, guardam os instrumentos e sorriem divinamente.

Personal shaker é um serviço revolucionário oferecido pela Felatio Produções LTDA que vêm transformando o mercado de eventos com idéias novas e de bom gosto. Se você quer transformar o seu evento e fazer da ida ao banheiro uma experiência cultural e prazerosa – todas as nossas funcionárias são versadas em filosofia e psicanálise – entre em contato com a gente, você não vai se arrepender.

Esperando, esperando, esperando....

2009-08-19T11:12:00.001-03:00

Acho que a linguagem do teatro e do cinema são duas coisas completamente diferentes e só alguém muito cabeçudo pra harmonizar as duas coisas e fazer uma terceira (cine-teatro?) que preste. Aceitei filmar o espetáculo (des)esperar pra ajudar o grupo andaime no material de divulgação (se os artistas não se ajudarem, quem vai?), sem nenhuma nenhuma invencionice estética, até porque acho que filmar teatro (como fazem os caras do Dogma) é idéia de jerico. E eis que tive uma bela surpresa: a peça é pra lá de interessante.

Inspirada em Esperando Godot, de Samuel Beckett, (des)esperar faz parte de um esforço conjunto que já dura dois anos. Se na peça de Becket dois personagens esperam um tal Godot que nunca chega (e que pode simbolizar uma caralhada de coisas), em (des)esperar quatro atrizes esperam num lugar imaginário por “ela” (a felicidade? a morte? uma pessoa?). Claro que “ela” nunca chega e o ato de esperar torna-se, de tão tedioso, um exercício de desespero. As atrizes caminham de um lado para o outro carregando maletas que soltam uma fina camada de areia no palco, como se fosse uma metáfora da passagem do tempo. Uma delicada iluminação azulada confere à coisa um clima meio onírico, e não demora muito até que espectador seja arrastado para o inconsciente coletivo que ronda o palco. Lá, como na vida, as pessoas se amam, se agridem, se exasperam e, claro, se desesperam.

Beckett foi o precursor do “teatro do absurdo” e a originalidade de Esperando Godot é justamente sugerir mais do que mostrar. É insinuar lacunas, falhas, desvios – é aprender a lidar com a expectativa, a frustração – psicanálise pura e concentrada em forma de teatro. Esse anti-clímax em que nada acontece dura uma hora, durante a qual somos arrastados pelo devaneio, pela falta, pela busca, pela espera: mas esperando o que, mesmo???

No meio do nada

2009-08-07T10:33:00.001-03:00

Felipa é um pitéu de quatorze anos com grandes olhos redondos que espreitam coisas sinistras: a ruína do casamento dos pais, a infelicidade e infidelidade deles, as mentiras e hipocrisias do mundo adulto corrompido. Ao mesmo tempo convive com sua turminha de adolescentes que estão descobrindo a vida. É nessa estranheza que reside quase todo o argumento de À Deriva, novo filme de Heitor Dhalia , diretor que já tem no currículo filmes como Nina e O Cheiro do Ralo.

A idéia de filtrar o mundo através dos olhos de uma criança ou de um adolescente não é nova. Consta que o escritor alemão Gunter Grass escreveu em O Tambor (que virou filme em 1979, tendo perdido a Palma de Ouro para Apocalypse Now) sobre um menino que vê as aberrações do nazismo, mais ou menos como ocorre em A Vida é Bela, que usa o mesmo artifício.

À Deriva portanto não inventou a roda, mas a utilizou de maneira eficiente, o que faz com que o espectador seja levado para um mundo coerente e se encontre num universo diegético facilmente digerível: é na casa da praia da família que ocorre toda a ação, que volta é meia é interrompida por longas tomadas subaquáticas de pessoas mergulhando no mar ou na piscina. Esses passeios intra-uterinos ao som de um dedilhado de piano deixam o espectador mais ou menos à deriva: ele compreende os sentimentos de todos os personagens, seus anseios e contradições, mas vê pouca solução para seus problemas. Claro que Felipa terá que passar por uma transformação espiritual e aprender a conviver com o nosso lado demasiado humano, enquanto a única saída para os pais é o divórcio.

Eis aí uma diferença fundamental entre À Deriva e outro filme nacional recente, Divã, que também mostra um casal de meia idade se separando. Se nesse a coisa toda é tratada com moralismo e boas intenções, em À Deriva lidamos com personagens de carne e osso com preocupações de gente de carne e osso, diferente do que ocorre no mundinho de plástico da Globo Filmes. Além da bela fotografia, com planos do sol se espraiando nas águas do oceano e alguns maneirismos de câmera, À Deriva tem um mérito incontestável: é sobre uma menina de quatorze anos, mas ainda assim um dos filmes nacionais mais adultos dos últimos tempos.

O Khan é o cara

2009-07-30T09:08:00.001-03:00

O Guerreiro Genghis Khan, dirigido pelo russo Sergei Bodrov, é um épico com várias qualidades: a fotografia impecável, seguindo a linhagem real dos seus cineastas contemporâneos, roteiro simples e atuações convincentes. Mas talvez o seu grande mérito seja mostrar como era a vida nas estepes da Mongólia em mil cento e bolinha: a miséria de um povo nômade e dividido em clãs que viviam migrando de um lado para o outro; o leilão de mulheres e crianças; os saques e assassinatos constantes; a vigência de estreito código de honra; a lealdade que mercenários deviam ao carniceiro (ou Khan) da vez.

A vida nos desertos e planícies da Mongólia não mudou muito de lá para cá, como pode se constatar no belo romance Mongólia, de Bernardo de Carvalho, que descreve o nomadismo e a miséria daquele povo nos dias de hoje enquanto o protagonista (um diplomata brasileiro) viaja por seu território. É surpreendente para um ocidental notar como esses milhões de pessoas até hoje não conhecem o sedentarismo, como ainda praticam a agricultura e a pecuária numa escala mínima para continuar mudando-se constantemente e vivendo em ocas e barracos. Uma série de fatores influi para isso (clima que vai do muito quente ao muito frio, terras inférteis que precisam passar por ciclos de renovação, migração de animais de caça, entre outros), mas o principal é provavelmente a falta de investimento e educação. A Mongólia vive assim quase que ao largo do progresso tecnológico mundial e é quase idêntica ao que era na época do grande Khan. A diferença, como descreve Carvalho, é que agora além de cavalos eles têm carros velhos e sucateados – o que faz com que pareça uma terra ao estilo Mad Max, só que não tendo passado por todas as fases da industrialização até tornar-se um cenário apocalíptico, apenas a mais essencial: a inserção do petróleo.

Há quem veja um conteúdo político no filme, ao associar o desejo de unidade que Gengis Khan trouxe ao seu povo com uma suposta visão do “Grande Império Russo” de Bodrov. Da mesma forma que um homem juntou tribos esfaceladas e dominou metade do mundo conhecido, a atual Rússia, fragmentada e em crise de identidade, também teria um destino épico no futuro. Eu sinceramente não senti isso no filme, mas também não vi entrevistas de Bodrov onde ele negasse ou afirmasse essa agenda. Vi antes um Épico (com E maiúsculo) com todas as qualidades do gênero e de brinde o exotismo da cultura mongol, com seus cantos guturais e seu pragmatismo existencial (para muitos personagens, um cavalo vale mais que uma mulher). O Guerreiro Gengis Khan saiu desse lugar inóspito e miserável e tornou-se o soberano de um imenso territótio, tudo na base da porrada e da sanguinolência – e isso é cinema puro e concentrado.

Quer aprender a fazer um micro road movie experimental num fds?

2009-07-23T08:44:00.001-03:00

Des con jun ta do

2009-07-22T10:35:00.001-03:00

Olhando bem a gente vai achar graça até nas coisas mais esquisitas. Há inclusive quem faça da esquisitice um estilo de ser e interpretar, como o personagem Kramer da série Seinfeld: seu jeito destrambelhado, seus tiques nervosos e suas idéias diagonais eram um dos grandes trunfos cômicos da série. Como já ensinava o expressionismo alemão pessoas estranhas podem ser pra lá de fotogênicas e cinematográficas. O próprio Fernando Pessoa já dizia estar farto de semi deuses e perguntava onde é que estavam os seres humanos desse mundo: pois bem, estão em Rumba, filme franco-belga dirigido por Dominique Abel.

O casal protagonista interpretado pelo próprio Dominique Abel e Fiona Gordon é uma pérola de esquisitice. Os dois atores desajeitados e de traços angulosos vestem-se com cores extravagantes e se esfolam numa mistura de dança do acasalamento de pavões com rumba latino americana. Praticamente mudo, o filme se limita a mostrar a estupidez e a amnésia dessas duas pessoas singulares, quase como se fosse um desenho animado. De tão autoral, a coisa se perde numa barafunda de gags descontínuas e o espectador se pergunta, revirando na cadeira: esse diretor tá por acaso me sacaneando?

A própria campanha publicitária de lançamento do filme foi esquisita: ao invés de traillers tradicionais, espalharam micro chamadas virais em cinemas de apelo cult, como na Academia, deixando o público com uma pulga atrás da orelha. Afinal, que porra seria essa? Bem, Rumba não é um bom filme, mas é definitivamente diferente.

De olho

2009-07-18T17:36:00.001-03:00

Em breve, o primeiro road-movie do grupo Qualquer Cinema numa tela perto de você!

Briga de gente grande

2009-07-07T08:42:00.001-03:00

Duplicidade traz o galã do momento Clive Owen, que já fez par romântico com grande parte das beldades de Holywood, e Julia Roberts, que é velha mas faz comida boa. Dirigido por Tony Gilroy, que já tem no currículo um blockbuster, produzido pela Universal e distribuído pela Paramount, é um legítimo produto da indústria cultural. Na trama de espionagem, dois agentes duplos trabalham para multinacionais da indústria de cosméticos, a Equikron e a R & B. Na briga vale tudo, de chute no saco até dedo no olho, e a mensagem implícita é: o capitalismo não é para criancinhas.

É curioso notar que os filmes de espionagem, que envolviam nações e estados legalmente constituídos, cada vez mais descambem para a espionagem industrial. E completamente compreensível. Com o triunfo do liberalismo (que Fukuyama chamou erradamente de fim da história) grandes corporações tornam-se muito mais ricas e poderosas que países inteiros e estão diretamente ligadas à vida de milhões ou bilhões de pessoas. Essas entidades supra nacionais estão de tal forma presentes em nossas vidas que acabam se tornando corriqueiras. Pessoas que comem frango diariamente talvez nem saibam que a Sadia se juntou com a Perdigão para a criação da Brasil Foods, gigante da indústria de alimentos. E palmeirenses que adoram um leitinho de manhã talvez nem desconfiem que a mesma Perdigão tem um braço de laticínios, a Batavo, que patrocina o Corintians. E se você acha que ao comprar um Doritos ao invés de um Fandangos está estimulando a concorrência, vã ilusão: ambos pertencem à Pepsico, que aliás fabrica desde chocolate em pó até atum em lata.

Responsáveis por fabricar a comida que a gente come e o papel com que a gente limpa, essas mega corporações não são malvadas em essência, como tenta mostrar o documentário esquerdista Corporation. Claro que cometem excessos que podem e devem ser reprimidos, além de pagar altíssimos impostos, proporcionais ao lucro que porventura venham a obter. Mas imaginar um mundo sem elas é, à maneira de Stalin, querer apagar o passado – basta lembrar que a primeira multinacional de fato, a Cia das Índias Ocidentais, nasceu há mais de quatrocentos anos. De lá para cá elas contribuíram para o enriquecimento dos seus acionistas e para dar emprego a milhões de pessoas. Sub empregos, naturalmente, mas que são melhores que emprego nenhum. O Mc´Donalds paga R$ 1, 70 por hora para os infelizes que fritam batata e hambúrguer. E tem fila para trabalhar lá. A indústria chinesa é hoje a que mais produz porque lá tem muita gente que trabalha por muito pouco. Mesquinhas ou bem intencionadas (sim, a Microsoft além de fabricar o seu computador ainda faz filantropia), essas empresas representam as falhas e as virtudes intrínsecas ao capitalismo.

A estrela pornô existencialista

2009-07-02T14:22:00.001-03:00

Sasha Grey é um avatar da milionária indústria pornográfica e ficou ainda mais célebre depois que fez The Girlfriend Experience com Steven Sodergergh, o cultuado diretor de Traffic e Che. Rotulada como uma “estrela pornô existencialista”, ela estréia no mainstream fazendo o papel de uma acompanhante de luxo que cobra dois mil dólares por hora para simular um relacionamento com os clientes e fingir-se de namorada por uma noite.

Seria um filme regular, não fosse o burburinho causado justamente pela atuação de Sasha, que já era amplamente conhecida por todos os descabeladores de palhaço que navegam na rede. O fenômeno da atriz pornô que subitamente fez um filme sério com um diretor respeitado rendeu pauta na Rolling Stones, no NY Times e em uma penca de outros lugares. Descobriu-se que além de fazer aquelas coisas mirabolantes diante das câmeras Sasha também lia Thomas Pynchon e Hunter Thompson e via filmes de Antonioni, Lars Von Trier e de diretores independentes. O “Grey” do seu nome artístico seria uma homenagem ao livro O Retrato de Dorian Grey de Oscar Wilde.

Nascida em 1988, a atriz pertence a uma geração que cresceu com a internet e começou a ver pornografia ainda criança. Criada em Sacramento, uma das regiões mais pobres da Califórnia, largou a mãe e o padrasto e picou a mula para San Fernando Valey, o coração da indústria de filmes adultos. Logo que completou dezoito anos participou de uma orgia e foi muito elogiada pelo modo visceral com que se entregava ao personagem.

Esse é provavelmente o elemento crucial no fenômeno Sasha Grey. Na flor dos seus vinte e um aninhos, branquinha, angelical, com um corpinho supimpa, Sasha tem algo de frágil, de delicado, é o tipo de garota que todo marmanjo gostaria de apresentar para mãe, andar de mão dada no shoping e dormir de conchinha num dia frio de inverno. Uma gata. Em cena, no entanto, ela incorpora uma personagem ninfomaníaca e insaciável, adepta de todo tipo de feitichismo e degradação. Durante a performance ela suplica para ser cuspida, estapeada, arrombada e esporrada. É pura pornografia hardcore. Chega a participar de cenas de sexo grupal em que é seviciada por quinze homens de uma vez, utilizando com proficiência todos os buracos que deus lhe deu. No fim recebe na boca o sêmen de cada um deles e espera até o último para engolir. Deixa aquela porra (literalmente) fermentando na boca e depois sorve tudo com a volúpia de quem toma uma golada de um milk shake do Bobs, fazendo cara de “quero mais.” Em seu currículo há sexo anal, grupal, interracial, lesbianismo, sexo com máquinas e consolos de todos os tipos e tamanhos e até eletrochoque na vagina. Sua única restrição é atuar com bichos.

Depois de cair de para quedas no filme de Sorderbergh Sasha virou “cult” e instalou uma bomba de hidrogênio bem no meio da teoria feminista. Supostamente muito bem resolvida com a coisa toda, ela coloca um cheque-mate moral no assunto porque permite-se de bom grado servir de lata de lixo para a macacada. O feminismo original, que pregava a igualdade de direitos e o fim da sociedade patriarcal, em algum ponto incluiu na sua agenda o “direito a promiscuidade”, questão até hoje mal resolvida. Há as que lutam pelo direito das mulheres, mas são contra. Há as que são a favor na medida em que a promiscuidade seja exercida com “honestidade de sentimentos.” Há excrescências como o grupo Católicas pelo Direito de Decidir (sobre o aborto). E há Sasha Grey, que dá uma banana para a teoria e enfia outra onde bem lhe aprouver.

Símbolo de um setor aparentemente imune a crise financeira, Sasha é uma máquina de lucrar. É inclusive consenso entre a maioria dos resenhistas que The Girlfriend Experience é menos um filme sobre sexo e mais uma reflexão sobre o dinheiro. Partindo da idéia de que em tempos de pindaíba todos estão de uma forma ou de outra se prostituindo, Sorderbergh fez um filme atual mostrando financistas de Wall Street e produtores de Holywood cortando o país em jatinhos e especulando sobre a eleição de Obama. Sasha é a acompanhante que escolhe a dedo os seus clientes, na maioria quarentões estressados e mal casados. Nas altas rodas se negociam ações, commodities e o corpo de mulheres como ela.

Impenetrável, a personagem descreve os encontros num diário: “Em 25 de outubro encontrei com Denis. Nós almoçamos e fomos para o quarto de hotel. Durante o almoço ele falou sobre a crise financeira. Depois que ele saiu do telefone me pediu que eu o masturbasse, o que eu fiz. Depois ele se masturbou me olhando. Ele marcou outro encontro para o dia 30 de novembro.” A frivolidade com que ela fala sobre o assunto lembra os melhores momentos de Sartre em Aerostrato, conto sobre um psicótico impotente que sente prazer torturando prostitutas, além de dar o gancho para toda uma reflexão sobre o individualismo na sociedade norte americana. De resto, pode-se acusá-la de tudo, menos de não ter intimidade com as câmeras.

Vida e morte de um brasileiro

2009-06-30T09:01:00.001-03:00

Nas últimas eleições do Parlamento Europeu os partidos de centro direita conquistaram a maioria das cadeiras. Na agenda desses partidos, uma clara posição anti migratória e até xenófoba. É compreensível que com o aprofundamento da crise econômica as pessoas procurem políticos conservadores para botar ordem na casa e garantir empregos para seus concidadãos. Incompreensível porém é o modo como certos imigrantes são rechaçados no aeroporto e mandados de volta para o buraco de onde saíram como cachorros sarnentos. E inaceitável, sob qualquer perspectiva, que inocentes sejam mortos em nome da guerra ao terrorismo.

Por essas e outras, Jean Charles, dirigido por Henrique Goldman tinha tudo para ser uma espécie de libelo contra a intolerância racial e cultural da Europa nos dias de hoje. E é. Mas é também, além disso, uma crônica da vida dos brasileiros que se esfolam no velho continente para amealhar uns trocados. Ancorado num roteiro sem grandes invenções e numa interpretação competente de Selton Melo, o filme tem o grande mérito de transformar Jean numa pessoa de carne e osso, num brasileiro malandro, gregário, família, gente boa, maravilhado com a grandeza de Londres, oprimido pela falta de grana, sempre agilizando uma correria, conseguindo uma esquema com fulano ou uma parada com cicrana.

De todas as cenas, a mais revoltante é aquela em que os burocratas da polícia britânica explicam o “acidente” às primas e ao amigo de Jean. Obrigados a esperar por duas horas numa saleta, são em seguida informados de que ele fora confundido com um terrorista por isso está “in the morgue” (no necrotério). Como ninguém ali fala inglês, demora para cair a ficha. Quando cai, os fleumáticos ingleses pedem calma e oferecem “some water? some tea?” Seria apenas um trágico mal entendido, não fosse o fato de que até hoje nenhum dos responsáveis foi punido, nem que fossem uns cascudos administrativos “pra brasileiro ver.” Nada.

Cadê meu kinder ovo?

2009-06-22T16:48:00.001-03:00

Segundo O Globo, o filme A Mulher Invisível já foi visto por mais de um milhão de pessoas no Brasil. Muito peregrinos ainda devem se prostrar diante do espetáculo da natureza que é Luana Piovani. Do alto seu metro e setenta e sete, no esplendor dos seus trinta e dois anos, é uma legítima “puro-sangue.” Pernas esculturais, curvas vertiginosas, olhos verdes, gostosa sem exagero, sensual sem vulgaridade, plena, bem resolvida e independente, ela convive com sua beleza com a naturalidade com que Buda atingiu a iluminação.

Essa super fêmea de cromossomos vitaminados está nas telas de cinema transbordando simpatia e fazendo todas as vontades de um protagonista abobalhado vivido por Selton Mello - e ela naturalmente é uma projeção mental cabeça dele. Borges já escreveu sobre histórias policiais que dariam ótimos contos mas acabaram virando péssimos romances porque os autores resolveram espichar a idéia. É o que faz o diretor Cláudio Torres, que transformou algo que podia ser uma esquete cômica do Fantástico num longa metragem de cento e cinco minutos. Depois um ou dois bons diálogos e das cenas hilárias em que Selton aparece fornicando em público com uma mulher que não existe, o longa despenca numa espiral de mediocridade até espatifar-se no chão com um final picareta e mau caráter como é difícil de ver até nas mais insossas comédias românticas.

Mantendo o padrão de mediocridade Globo Filmes, que vem pasteurizando o cinema nacional e cuja meta parece ser deixá-lo cada vez mais enlatado e homogêneo, A Mulher Invisível é um filme banal e ainda assim muito agradável de se ver.

O suplício da geração silício

2009-06-18T11:04:00.001-03:00

No trailler de É Apenas o Fim, frases de efeito são inseridas no meio da edição: Rodrigo Fonseca, do Globo, diz tratar-se do “olhar de toda uma geração.” Marcelo Taz, do CQC, que é “uma luz no fim do túnel do cinema brasileiro.” E Domingos Oliveira, o disléxico e incompreensível Woody Allen brasileiro confessa, fazendo referência a Gregório Duvivier: “Esse cara podia ser meu filho.” É fato. O ator, que faz par romântico com Érika Mader, é Domingos Oliveira cuspido e escarrado trinta ou quarenta anos mais novo. As falas curtas e ofegantes, a profusão de idéias e palavras muitas vezes desconexas, a ironia diante do absurdo da vida: os dois são praticamente a mesma pessoa.

Quanto à afirmação de Rodrigo Fonseca, vale uma reflexão. É Apenas o Fim é tributário de uma longa tradição de filmes D.R – que Discutem a Relação. O último filme de efeito nessa área, e que também supostamente trata de “toda uma geração” foi Eu Sei Que Vou te Amar, de Arnaldo Jabor. Lançado em 1986, mostrava um casal que Discutia a Relação por cento e quatro minutos esfregando verdades um na cara do outro e sofrendo de espasmos rodrigueanos. O amor violento do casal traduziria os anseios das pessoas daquela idade que se relacionavam naquela época – Brasil pós ditadura, pós revolução sexual, imerso no atraso e na inflação, no olho do furacão da “década perdida.”

Já o olhar sobre essa geração – que nasceu nos anos oitenta e hoje tem vinte e poucos ou vinte e muitos – é bem menos dramático e totalmente a-político. O roteirista e diretor Mateus de Souza optou por fazer de É Apenas o Fim uma declaração de amor ao minimalismo e às pequenas coisas. Se é verdade que ele retrata “toda uma geração” – a da internet – estamos diante de pessoas culturalmente hiperconectadas mas que pouco compreendem os próprios sentimentos. Ambos os personagens fazem referências ao mundo da música pop, do vídeo-game e do cinema enquanto conversam, são irônicos e sofisticados, soltam gags e piadas, tudo isso na iminência do fim do namoro. Eles escondem suas fraquezas e só choram escondidos um do outro. E expressam o que o filósofo Zigmut Bauman chamou de “amor líquido” – a fragilidade dos laços humanos num mundo individualizado e desterritorializado.

É Apenas o Fim recicla também dois dos mais usados artifícios do cinema brasileiro: o “teatro filmado”, ou seja, a mera recitação do texto sem grandes ousadias formais de movimento de câmera, e a metalinguagem. Quando Érika Máder diz “eu li o seu roteiro e achei uma merda. A personagem feminina é claramente inspirada em mim. E os dois só discutem a relação o filme inteiro!” fecha-se o ciclo de auto referência imaginado pelo diretor e roteirista. Ciclo esse que lança mão de boas catarses, como a inserção de terceiros no diálogo do casal. São os casos da minazinha-pode-crer e do carioca-sem-noção. O público, jactando-se com a própria representação, deu ao filme o prêmio do Júri Popular no Festival do Rio desse ano. Ótimo. Agora, imaginar que “é uma luz no fim túnel do cinema brasileiro” não passa de um exagero.

Que medo!

2009-06-09T08:41:00.001-03:00

Plano de seqüência: a câmera segue John Connor pelo campo de batalha fugindo das rajadas de metralhadoras desferidas por máquinas assassinas. Ele entra em um helicóptero e sai pilotando. A câmera dá voltas, entra, sai, vai e volta. Abatidos, eles (Connor e a câmera) vão caindo numa espiral violenta até se espatifarem no chão. Invertida, a imagem mostra o herói todo lascado entre as ferragens e o acompanha até lá fora, onde as bombas continuam a cair. Escondido atrás de uns destroços, ele pede resgate e relata o número de sobreviventes: um. Ele. Jhon Connor.

Um filme de resto banal e que trata o suculento tema da inteligência artificial de modo completamente quadrado e previsível, Terminator 4 poderia pelo menos transformar-se num exercício de estilo para o diretor McG, que continua aqui a franquia imaginada por James Cameron nos anos 80. Mas não é o que acontece, e o plano de seqüência que acompanha Connor pelos ares até chocar-se contra o chão é um dos poucos momentos de alta voltagem cinematográfica.

Apesar de todos os problemas do cinemão norte americano, deve-se admitir que em seus filmes de guerra e ação eles sofisticaram a noção de plano de seqüência, na qual a câmera segue o personagem ao longo da cena. E assim puderam seguir seus mocinhos e soldados por florestas e trincheiras, fugindo da artilharia inimiga ou de algum monstro assustador. Isso pendeu um pouco a balança para o outro lado, já que filmes de ação têm por definição uma edição rápida no estilo de vídeo clipe.

Um bom filme de ação deveria portanto se equilibrar entre a edição vertiginosa e eletrizantes planos de seqüência, no qual somos impelidos a acompanhar as peripécias do personagens colados nele, sentindo as balas zunirem ao lado do ouvido enquanto avançamos entre a lama e os cadáveres. O único problema é depois dar de cara com um Terminator, que não assusta ninguém. Aliás, que belo método para eliminar a humanidade: com tiros de metralhadoras desferidos por robôs vesgos.

Barraco

2009-06-02T11:17:00.001-03:00

Um crítico do El Pais enviado à Cannes deteonou geral. Cineastas escrupulosos não gostaram e detonaram o cara de volta. Leia aqui o arranca rabo intelectual.

Caçando oncinhas

2009-06-02T08:14:00.001-03:00

Uma menina de treze anos viciada em crack tem que “ir para a pista” – prostituir-se – para conseguir amealhar alguns trocados. Ela deve cinco reais a Fulano, cinco a Cicrano e mais cinco a Beltrano. Sua mãe acompanha emocionada o depoimento. Diz que foi presa por furto tempos atrás e deixou a filha com uma certa tia, que também é viciada. Depois disso, a coisa degringolou. É uma das cenas mais fortes de Cinderelas, Lobos e Um Príncipe Encantado, documentário sobre o turismo sexual no nordeste.

Outra um pouco mais velha conta que ganhava duzentos reais por mês como auxiliar numa empresa. Agora ganha isso numa noite. E uma terceira conta que ganha na rua mil e duzentos reais por mês para sustentar dois filhos pequenos. Fosse doméstica trabalhando “em casa de brancos” ganharia trezentos e oitenta reais, que é o que se paga em Salvador.

A tese, apresentada com um didatismo quase professoral pelo diretor Joel Zito Araújo, é de que meninas pobres e negras do nordeste acabam sendo impelidas para a exploração sexual devido a um sistema perverso que as alija de qualquer migalha de cidadania. Seus corpos são seus únicos bens. Não fosse o tom academicista, Cinderela, Lobos e Um Príncipe Encantado teria tudo para ser um documentário explosivo. Como foi feito é apenas regular e reifica a falência de um estado inexistente e inoperante para grande parte da população brasileira, notadamente a negra, feminina e nordestina.

Quanto as “representações” e “imaginários” de que fala o diretor, a coisa não poderia ser mais escancarada: não estamos muito distantes do tempo em que índios tropicais eram levados para divertir a corte européia. O turista sexual vem em busca de sexo barato e diversão, pois a mulher européia é muito consciente dos seus direitos – ou seja, uma chata. Algumas são levadas para o exterior e trabalham em regime de escravidão sexual e em cárcere privado. Outras, com mais sorte, acham o seu príncipe encantado a que o título faz referência – geralmente um europeu rico e velho que lhes tire da “vida fácil.” A maioria porém continua “indo para a pista” para ganhar as oncinhas – notas de cinqüenta – dos europeus. Ironias da colonização.

O alter ego do alter ego

2009-05-25T18:28:00.001-03:00

O ator Leonardo Medeiros já foi o alter ego de Selton Mello no filme Feliz Natal, interpretando um cara soturno de meia idade que fala pouco, fuma muito, é atormentado pelo trauma de um acidente de automóvel e tem que agüentar a hipocrisia e a excentricidade de uma família disfuncional. Supõe-se que ele seja agora o alter ego de Chico Buarque, já que em Budapeste encarna José da Costa, o mais biográfico dos personagens buarqueanos: no primeiro romance o protagonista é um psicopata, no segundo um modelo fotográfico decadente e no último um velho centenário à beira da morte. Só em Budapeste Chico faz do seu personagem um artista. E não qualquer artista, mas um ghost writer que desgraçadamente não leva o crédito por nada o que escreve.

Medeiros interpreta esse intelectual frustrado com a mesma cara de tédio, transmitindo o mesmo vazio existencial, fumando com a mesma volúpia os seus cigarros (cadê os meus?) igualzinho fazia em Feliz Natal. Mas isso em nada diminui o personagem. Medeiros vai achando o tom em que encarna um sujeito pacato e arredio e o público vai se identificando com ele. Em sua atuação não há pirotecnia, apenas a intuição de um vasto turbilhão interior. José da Costa, o ghost writer, se limita a escrever compulsivamente e a copular sem vontade com sua mulher, a fútil, bronzeada e curvilínea repórter interpretada por Giovana Antoneli, enquanto recita mentalmente versos em húngaro, a “única língua que o diabo respeita.”

O filme decola lá pelos quarenta minutos, quando Costa conhece Kriska (Gabriela Hámori) em Busapeste e vai sorvendo dela o húngaro, catando e juntando os pedaços desconexos de coisas que ela recita, literalmente se embebedando com o idioma. A partir daí entra numa espiral de loucura na qual Costa é deslocado do seu ego até se perder num oceano de falta de referências. É ele quem escreve os livros, é escrito por eles? Chico Buarque faz uma ponta aos quarenta e dois do segundo tempo pedindo um autógrafo ao ghost writer que ironicamente não escreveu o único livro pelo qual foi laureado e a coisa toda termina numa overdose de metalinguagem.

Há uma moral na história? Naturalmente que não. Mas Budapeste, livro e filme, acaba por tratar de um assunto que deve ocupar a massa cinzenta de Chico: a autoria. Ela existe? É uma ficção? Na sua carreira de compositor, quantos refrões ele não “roubou” de transeuntes assobiando alegremente na rua? Quantas parcerias? Quantas canções encomendadas? Quanta falta de inspiração? Quanto plágio dissimulado? Pois de resto ele fazia o que José da Costa tenta fazer com os seus clientes: transformar vidas banais e desinteressantes em peças épicas que inspirem ou emocionem os outros. Coisa de artista.

Pelo amor de deus!

2009-05-19T18:07:00.001-03:00

Dificilmente se fará um filme tão ruim quanto Anjos e Demônios neste ano. Depois que Dan Brown infectou o mundo com milhões de exemplares do livro O Código da Vinci, devidamente adaptado para o cinema, o filão de mistérios sacrílegos do Vaticano parece, para azar do público, ter fascinado alguns incautos produtores de Holywood.

Anjos e Demônios é tão completo em sua mediocridade que seria difícil elencar todos os vícios e clichês que o permeiam: do herói intelectual que volta e meia recita versos em latim, passando pelas atuações robóticas, até desembocar numa trama rocambolesca com um final notadamente constrangedor, com direito a vilão fazendo discursos gradiloquentes enquanto aponta a arma para o mocinho e a mocinha. Seria injustiça, no entanto, compará-lo com Batman ou Scooby doo, pois estes tinham lá o seu quinhão de inocência e eram programas infantis e adolescentes por definição. Já O Código da Vinvci e Anjos e Demônios assumem um tom professoral acadêmico para falar sobre ordens secretas dentro da igreja e seitas clandestinas que pretendem destruir o mundo com artefatos de anti matéria. Cabe então à Tom Hanks livrar-nos do obscurantismo e da intolerância da igreja. Enquanto decifra pistas deixadas em antigas esculturas e manuscritos, corre serelepe por Roma numa espécie de gincana cultural e religiosa.

Lixo.

Com o filme queimado

2009-05-16T09:32:00.001-03:00

A história também é feita de vácuos, lacunas, silêncios, coisas mal contadas e mal entendidas. Há casos que ficam guardados no armário pegando poeira por décadas e se não fosse o ímpeto de alguém para revolvê-los, permaneceriam lá por outras décadas até se diluir completamente no oceano do esquecimento. Deve ter sido esse ímpeto por passar a história a limpo que motivou os diretores Cláudio Manoel, Calvito Leal e Micael Langer a contar a história de Wilson Simonal no excelente documentário Ninguém Sabe o Duro Que Dei.

Talvez o maior cantor e brasileiro na década de sessenta (regia ginásios inteiros e fazia duetos com estrelas do jazz norte-americanas), Simonal cantava um Brasil grande, feliz e tropical e como não fazia músicas de protesto contra a ditadura passou a ser considerado “de direita.” Ingênuo que era, não fazia questão de desfazer o mal entendido e ainda viajou com a seleção para a copa de setenta como entreteiner – na época, o futebol era arma de propaganda do regime. Intelectuais de esquerda não ficaram muito satisfeitos com o sucesso do negão e quando houve um quiprocó entre o cantor e o seu contador foi a deixa para ele ser acusado de informante do DOPS e cair no ostracismo até o fim da vida. É essa a ferida que o filme veio cutucar e explicar.

Simonal era garoto propaganda da Shell e recebia da multinacional uma bolada todo mês. O contrato foi rompido, mas ele não ficou sabendo. Quando foi olhar suas receitas, teve certeza que estava sendo roubado. Mandou dois ou três brucutus darem uma coça no sujeito mas, e aí está toda a origem do mal entendido, esses brucutus eram funcionários do DOPS e levaram o coitado para os porões do órgão onde foi torturado, eletrocutado e forçado a confessar o roubo que não cometeu. Simonal, que só queria dar um susto no cara, ficou sendo mandante do crime. Quando o caso estourou, foi definitivamente julgado e condenado pela esquerda raivosa e pelo clima de radicalismo político que vigorava. O Pasquim fez tirinhas acusando-o de ser dedo duro e jogou-o na “lata de lixo da história” nas palavras do próprio Jaguar.

Houve então um silêncio deliberado e Simonal foi afastado da cena cultural como um leproso. Entregue ao alcoolismo, passou em branco os anos setenta e oitenta. No fim da vida voltou a aparecer em programas de televisão carregando pilhas de documentos que provavam que não era nem nunca tinha sido agente do DOPS ou de qualquer órgão de repressão da ditadura. O outrora maior artista do Brasil se convertera num velho em busca de redenção. Essa é a parte melancólica do filme, que conta com depoimentos emocionados dos filhos, da ex-mulher e do próprio contador, que foi achado pela produção e que até então nunca tinha contado a sua versão da história. Mas é também um saudável exercício de autocrítica de todos que de uma forma ou de outra foram coniventes com a execração do artista. E mostra como julgamentos precipitados podem aniquilar a vida de um cara. Ou até mesmo dO Cara.

A super potência do som

2009-05-12T11:24:00.001-03:00

José Miguel Wisnick arrisca uma tese grandiloquente no documentário Palavra (En)cantada, de Helena Solberg: a primeira grande comunhão entre música e poesia foi com os aedos da Grécia antiga que evocavam as epopéias homéricas com suas liras e deram ao mundo a polpa concentrada do helenismo. A segunda foi durante a Idade Média, quando trovadores e menestréis forjaram uma cultura híbrida de bárbaros e latinos levando de um lado para o outro com suas proto-violas notícias sobre guerras e narrando os feitos de cavaleiros. A terceira e definitiva comunhão com música e letra ocorreu no Brasil do século XX: esse ponto de inflexão étnica e cultural pelo qual passou a música nacional no último século seria o grande legado do Brasil para a posteridade. Parece ousado? E é.

Historicamente um país periférico e exportador de matéria prima (petróleo, açúcar, soja, café, minério, borracha) o Brasil tem na música o seu grande produto de valor agregado, o que valeria a criação de uma multinacional específica para o setor: uma MúsicoBras ou uma Vale o Rio Música. A inserção brasileira no mundo seria principalmente cultural, algo que os EUA já aprenderam há tempos. Criancinhas da África e da Indonésia aprenderiam a cantar Chico, Caetano e Caymi. Em uma geração, já teríamos lançado tentáculos e todos os continentes e o português seria a segunda ou terceira língua franca mais falada no mundo.

Com uma produção regular na literatura e o no cinema, com alguns espasmos de genialidade (Rosa, Meireles) o país é um celeiro de músicos sem igual. Respeitada no mundo inteiro, a música brasileira nunca deixa de provocar estupefação onde quer que vá pela sua variedade rítmica. Não espanta que um compositor como Tom Zé (impagável no filme, aliás como sempre) seja tão admirado no exterior. Reza a lenda que quando David Byrne do Talking Heads ouviu uma música do baiano louco pela primeira vez disse sem pestanejar para seu produtor: “Me compra uma passagem pro Brasil agora, preciso conhecer esse cara!”

O documentário faz o dever de casa, mas peca pela imensa miríade de personagens que são citados. Minutos depois de vermos Tom Jobim criando a bossa nova com Vinícius, somos bombardeados por Marina Lima cantando Eu Vi o Rei Chegar, provavelmente a pior música já escrita no planeta. Se há pecadilhos como o gosto particular da diretora, o filme é bem resolvido e editado mesmo se considerando a amplitude do tema. Só faltou tocar Raul.

Será que ele é?

2009-05-09T09:43:00.001-03:00

J.J Abrams é hoje um nomes mais super estimados de Holywood e considerado “o cara da ficção científica.” Ele despontou com a série Lost, que teve uma primeira temporada intrigante mas depois caiu na mesmice para segurar a audiência, fez o dever de casa com Missão Impossível 3 e acertou com Cloverfiel, não tanto pela idéia (monstro aterrorizante destrói nova york) mas pelo formato em que foi filmado, como se câmeras de vídeo amadoras captassem tudo.

O talento para encontrar os produtores certos e levantar mundos e fundos ele definitivamente tem, como mostra o recém lançado Star Trek, mas a inquietação continua: por que cargas dágua ele é considerado pela grande impressa “o cara da ficção centífica” quando o que faz é simplesmente se apropriar do gênero para fazer filmes de ação, completamente dissociado de suas potencialidades narrativas e até mesmo filosóficas?

Desde que Kubrick bolou o “corte de um milhão de anos” e introduziu no cinema questões como “que porra é o universo?”, “qual o destino da espécie humana?” e “quais os limites da nossa (in)compreensão?” o gênero se revelou um terreno fértil para a especulação metafísica (na mesma época, Tzarowsky filmava a incomunicabilidade humana no espaço que oprimia cosmonautas assolados pela perda da identidade na era da tecno cultura( ops, piada interna)).

A premissa: vilão galático peita a federação estelar e um jovem inquieto e revoltado (capitão Kirk) vai aprender a virar homem e ter responsabilidades de gente grande ao enfrentá-lo. Nesse interstício ele conhece seu arqui rival e futuro amigo do peito (Spock). Fora uma apropriação (muito mal explicada) da viagem no tempo, nenhum dos grandes temas da ficção científica (a interseção homem-máquina, as conseqüências políticas e sociais do contato extra terrestre, etc) é explorado. Seguindo uma tendência cada vez mais comum em Holywood, é um filme quase exclusivamente voltado para o público adolescente, o que levaria a supor que oitenta por cento das pessoas que vão ao cinema tem entre 13 e 17 anos. Ou que é essa a idade mental de muitos dos mais badalados diretores da atualidade.

Cine game

2009-05-05T11:50:00.001-03:00

No final de X-men Origins: Wolverine, o mutante com esqueleto de adamantium e o seu irmão e arqui inimigo Dente de Sabre estão lutando no alto de uma usina nuclear que ameaça ruir. É um típico “filme concerto”, que promove uma linguagem fluída e eufórica de imagens e sons lembrando menos a Holywood clássica do que os vídeo games, os vídeo clipes e os passeios em parques de diversão, na definição de Robert Stam em Introdução à Teoria do Cinema (SP: Papirus, 2000).

Stam lembra que esse movimento é consciente e que o pai do monstro, George Lucas, fez a mesma comparação em entrevista para Time em 1981 ao falar sobre sua saga espacial cheia de luzes e cores e sons se propagando no vácuo. O fenômeno hoje é tão explícito que basta verificar que os recentes filmes de super heróis são apenas o carro- chefe de um acontecimento cultural que envolve brinquedos e vídeo games. Até chegar ao paroxismo de o filme ser inspirado em um brinquedo (Piratas do Caribe, da Disney) e não o contrário.

Quem tem mais familiaridade com games pode até sentir comichões nas mãos enquanto assiste a bagaça, ansiando por um joystick – não vão precisar esperar muito, o jogo já está sendo lançado. Seguindo o mesmo movimento estranhamente inverso, parece que os personagens do filme simulam os socos e pontapés dos bonequinhos de vídeo game, e não o contrário. De tão artificiais e pausterizados, os atores transformam personagens já de resto superficiais em simples aglomerados de mega píxels. E Wolverine, supostamente o mais “profundo” dos X-Men por ser rude e bonitão não passa de um mercenário lobotomizado por órgãos de inteligência do Pentágono que exporta para o mundo o que os EUA têm de pior. Pura metalinguagem.

Especial MOSTRA DE QUINTA - Eita, que porra é essa?

2009-04-28T15:31:00.001-03:00

Os balés suecos de Rolf de Maré
Apresentaram no teatro des champs élysées
Em 1923
O Balé Relache
Cujo prólogo cinematográfico mostrava
Os autores Francis Picabia e Erik Satie

Um canhão que foge.

E com músicas de Erik Satie
Gravadas em 1967 sob a direção de Henry Sauguet

Entreato de René Clair

Prédios oscilam, cabeças inflam, corpos flutuam, palitos movem e se queimam, pilastras dançam e se sobrepõe.
- Dois caras jogam xadrez sob a cidade absurda.
Tudo se move.
Um barquinho de papel voa pelo plano bêbado.
Lá em cima, alguém dança de rodopia.
Ah, impressionismo francês?
Águas. Olhos. Figuras geométricas.
- Suspense.
O cano de uma arma. Algo voa, se multiplica e nasce: é um pássaro!
Há um alvo. Uma queda. O sol desaparece e reaparece.
Música fúnebre.
Um cortejo e um camelo.
Pessoas de cartola pulam. Lentidão, falta de gravidade.
Para onde vão? Estão num aquário?
Bicicletas, camelo, cortejo.
Há fuga e perseguição.
Ah, definitivamente é um sonho.
Velocidade. Correria.
Um travelling delirante e ébrio pela rua!
Movimento! Montanha russa!
Paisagens que fogem e desaparecem e se embaralham.
Vertigem. VERTIGEM! VERTIGEM!
Isso é mais sinistro que Pokemon!
O caixão cai. O que há lá dentro? A tampa está subindo!
Ó! Ó!
É um mágico! Ele faz tudo desaparecer. Todos, de um por um, inclusive ele mesmo!
Caralho!
Acabou!

O pulha mais poderoso do mundo

2009-04-28T11:26:00.001-03:00

Poucos sujeitos foram tão vilipendiados e ridicularizados quanto o ex presidente dos EUA George Bush, que volta e meia aparecia cometendo uma gafe ou falando algo esdrúxulo em programas de humor como o de David Letterman, que inclusive tinha um quadro específico para isso. Inesquecível também a caricatura patética que Michael Moore fez dele em Farenheit 11/09, narrando em off o que deveria passar pela cabeça do presidente quando recebeu a notícia de que os EUA estavam sendo atacados enquanto lia um livro infantil para crianças numa escola. Desenhos, esquetes, séries, piadas, praticamente toda a cultura pop já se enfastiou denunciando a ignorância do texano bundão e puritano que era manipulado pelos seus assessores como uma marionete. Faltava um “filme sério” sobre o assunto e ele já estreou menos de três meses depois da posse de Obama, o novo e descolado presidente.

É W, de Oliver Stone, que tem no currículo uma longa série de filmes políticos, alguns bons, outros nem tanto. Nele, o diretor retrata Bush como um jovem alcoólatra sem nenhuma verdadeira vocação que, depois de tentar a sorte com prospecção de petróleo e outros investimentos da família, resolve entrar para a política. Após governar o Texas, por algum motivo insondável se elege duas vezes presidente e invade o Iraque sem o aval da ONU, confiando cegamente nas raposas políticas que sopravam vilanias no seu ouvido.

Sofrendo até o fim certo complexo de inferioridade por não achar-se tão bom quanto seu irmão ou seu pai, o George renascido (virou crente fervoroso depois que largou a cachaça) se sacrifica pelos EUA e crê firmemente nos seus propósitos cristãos e nacionalistas, alheio qualquer complexidade diplomática. É de estarrecer que um homem tão raso intelectualmente tenha governado a maior potência militar do mundo por oito anos, e mais aterrador ainda o fato de uma certa ultra direita republicana se proponha a fazer um certo revisionismo histórico ao sugerir que a era Bush não foi tão ruim quanto parece. Execrar Bush é bater em bêbado, mas há bêbados que merecem sim uma boa coça.

Na base da rapadura

2009-04-28T10:48:00.001-03:00

Não vou assistir Garapa, o novo documentário de José Padilha que trata da fome nos rincões mais miseráveis do Brasil. Sem cores e sem trilha sonora, ao que parece o filme se limita a mostrar o cotidiano de famílias que, sem ter o que comer, se alimentam de uma mistura de água com açúcar ou rapadura – a tal Garapa. Mesmo sem assistir, admito que esse não-evento fílmico, esse vácuo deliberado, é muito mais relevante do que muita comediazinha banal que se faz por aí.

Percorrendo o itinerário de lançamento, o diretor foi até o coração da Big Apple apresentar aos “caras cosmopolitas” (GNT) o seu filme, o que muito os impressionou, salvo o execrável Diogo Mainardi que dizia coisas como “a fome no Brasil é uma invenção das esquerdas, na verdade pobre no Brasil é tudo gordo, nosso problema é a obesidade, quero ver você fazer um filme sobre o mensalão” como o adulto infantilizado que se recusa a encarar a realidade escancarada na sua frente por mero capricho político.

Com a paciência de um monge budista Padilha tentava explicar que a fome é um problema crônico não só no Brasil como no mundo inteiro, relatando dados da ONU de que uma em cada seis pessoas no planeta sofre de deficiência alimentar. Seu mérito é “botar o assunto pra jogo”, como já fez no documentário sobre o massacre do ônibus 174 e no polêmico sucesso Tropa de Elite – aí maldosamente botando o dedo na cara do playboy que fuma maconha, como se ele fosse responsável pelas mazelas do país e não houvesse nada de errado com a legislação puritana que versa sobre o tema. Fora o moralismo rasteiro, um baita filme, não por acaso fartamente premiado.

E aí está ele novamente “botando pra jogo” um assunto que provocaria até mesmo tédio em círculos menos escrupulosos, como se esses miseráveis ficassem passando fome só para futucar o complexo de culpa da classe média. O fato é que eles estão lá se alimentando de açúcar e com a pele grudada nas costelas. Definitivamente, não é um filme – pipoca.

Especial MOSTRA DE QUINTA - Pesadelo filmado

2009-03-24T20:03:00.001-03:00

O meu lobby era por A Montanha Sagrada pra abrir a Mostra Super 8, mas com O Gabinete do Dr. Caligari dá pra ter uma idéia do que é cinema de autor. O troço parece um pesadelo e quando você achar que não vai acordar nunca mais, tudo acaba. Com apenas 52 minutos, o filme é capaz de aturdir o mais carimbado cinéfilo de horror seja pelos ângulos nada convencionais, pela arquitetura diagonal, pelas interpretações fantasmagóricas. A história gira em torno do sonambulismo de Césare, supostamente lobotomizado por Dr. Caligari, que comete assassinatos no seu transe entre o sono e a vigília. Filmado na Alemanha em 1919, bem pode ser tomado como uma premonição do sonambulismo macabro que afligiu o seu povo duas décadas depois, quando eclodiu a segunda guerra mundial e burocratas e cientistas passaram agir segundo “a banalização do mal” nos termos de Hana Arendt.

Era a infância do cinema, quando a forma “filme de duas horas com começo, meio e fim” ainda não havia definido o mercado e nem som havia para “teatralizar” a linguagem do cineasta. Enquanto a o impressionismo francês brincava de fazer “poesia visual” a vanguarda expressionista alemã tratava de fazer pesadelo filmado com inclinações freudianas e referências místicas. Não é à toa que o astrólogo do Hitler acreditava na teoria dos Gigantes, da Terra Oca e das Quatro Luas.

Por MakNamara